Close-up

Gros plan sur Hossain Sabzian, c'est bien l'image que l'on gardera du film. Quant au son, ce sera celui de sa voix. Calme, presque monotone, elle raconte et se justifie. Vrai-faux documentaire sur un homme arrêté, accusé de s'être fait passer pour un cinéaste connu auprès d'une famille bourgeoise, le film met en scène son propre auteur, Kiarostami, parti à la rencontre du prévenu puis autorisé à filmer les minutes de son procès en gros plan, voire même à devenir, peu ou prou, son avocat, prenant la parole en alternance avec le juge pour l'interroger, dirigeant non seulement le film mais la réalité. Et les protagonistes du drame de jouer leur propre rôle, y compris dans des reconstitutions (l'arrestation, en deux temps, au début et à la fin du film, en manière de champ-contrechamp, ou la rencontre initiale entre Hossain Sabzian et la mère de la famille abusée, dans un bus, où pour la première fois l'imposteur déclare avec aplomb être le réalisateur du film Le Cycliste, Mohsen Makhmalbaf), si toutefois l'histoire est bel et bien vraie. On sait le goût de Kiarostami pour les pistes brouillées.

 

 

Mais à vrai dire peu importe, la seule vérité qui compte est dans le visage de cet homme qu'il filme, dans les raisons qu'il donne à ses actes. Et dans un film qui mêle rigueur du dispositif et simplicité des sentiments (on est plus ici dans la veine d'un film comme Ten que dans la beauté des espaces et l'ampleur poétique de films comme Le Goût de la cerise ou Le Vent nous emportera), Kiarostami exprime, comme à son habitude, toute l'humanité au cœur de son cinéma quand Hossain Sabzian explique, y compris quand les faits semblent lui donner vaguement tort, qu'à aucun moment il n'a voulu escroquer la famille dupée, encore moins en profiter pour leur soutirer de l'argent ou les cambrioler, qu'il n'a fait tout cela que par amour du cinéma, d'une part – quelle plus grande preuve d'amour pour un artiste que devenir l'artiste lui-même, au point de commencer les repérages d'un futur tournage dans la maison et d'entamer les répétitions avec le fils de famille promis à être la vedette d'un film virtuel –, mais aussi, et surtout, pour s'extraire d'une situation sociale pathétique. Désœuvré, divorcé, sans le sou, Hossain Sabzian dit que pour une fois on le regardait avec admiration, on l'écoutait, on l'estimait, et qu'il y avait largement de quoi se sentir grisé à être entendu, ou ne serait-ce que respecté. Et que dire, en matière d'humanité, de l'ultime séquence du film, dont je ne dévoilerai rien, et de la dernière réplique, parmi les plus mémorables que je connaisse...

 

 

Close-up d'Abbas Kiarostami avec Hossain Sabzian et Mohsen Makhmalbaf (1990)

Mon Roi

Maïwenn-Bercot-Cassel. Regardez-nous bien dans les yeux. Ce film, c'est sans nous. Pour rappel, on a toujours fait ça gratis, malgré les appels du pied réguliers de DvdTrafic qui nous propose souvent un trafic de dvds. C'est un blog à but non-lucratif, association loi 1901, journal officiel du douze avril deux-mille-trois. Certes on pourrait faire une petite cagnotte Litchi. Chacun met un peu de sa paye et on mate Mon Roi si on touche la barre des 5 ou 6 euros (on réfléchit à voix haute, c'est pas acté). Mais même cette démarche prendrait du temps, et le film doit bien durer ses deux heures à coups de crises de nerfs, de crises d'angoisse, de crises d'hémorroïdes et d'épilepsie, de baisers à pleine gueule entre deux pervers narcissiques insupportables, de crêpages de chignons, de déferlantes de larmes passionnelles et de prise d'otage d'un spectateur forcément obnubilé par un sous-feuilleton racoleur, la gueule plongée dans ce plat infect tel le personnage du père interprété par le pauvre Jean-Jacques Annaud dans la scène de cauchemar d'ADN (un nœud coulant dans l'histoire de notre cinéphagie), les narines encore pleines de soupe à la tomate et à la grimace (on ne fait qu'extrapoler à partir de la bande-annonce de Mon Roi, entraperçue il y a six ans, déjà trop longue, et d'une affiche pénible qu'on ne mettra pas en exergue sur nos pages, au profit de notre 11 idéal pour l'Euro 2021, notre compo de rêve, pour l'éternité). Résumé du contenu de cette critique : nous n'avons pas vu et ne verrons jamais ce film. Ultime rappel : taux horaire d'un blogueur ciné de quinze ans d'expérience en 2021 = null. 

 

 

Mon roi de Maïwenn Le Besco avec Vincent Cassel et Emmanuel Macron (2015)

Falling

Qui veut la peau de Viggo Mortensen ? Personne, strictement personne ! Il fait partie de ces quelques acteurs intouchables, sans que l'on sache vraiment trop expliquer pourquoi. Quoique si... Avec son charme romantique et sa gueule de viking, option trou de balle au menton incluse, il doit autant plaire aux dames qu'aux hommes, qui ont trouvé en lui le parfait Aragorn. Sur tapis rouges comme en interviews, le beau vieux Viggo a la classe, c'est indéniable. Aussi, monsieur parle couramment le français, ce qui fait toujours gagner un nombre incalculable de points par chez nous. C'est qu'il est très cultivé, il maîtrise donc plusieurs langues et se plaît à manier la nôtre de sa voix rocailleuse lorsqu'il foule nos contrées de son pas discret. Des moments durant lesquels il fait toujours preuve d'une élégante courtoisie et se montre irréprochable, avouons-le. Bref, Viggo Mortensen a l'air d'être un véritable gentleman, c'est comme ça. 

 

 

On avait envie de croire au passage derrière la caméra de ce chic type que tout le monde apprécie, de cet artiste multi-facettes qui, lorsqu'il ne joue pas la comédie, s'adonne à la peinture, à la musique et même à la poésie. Mais... bon sang, qu'a voulu faire Viggo Mortensen ?! On se le demande presque constamment devant son pénible Falling, dont il est aussi l'auteur du scénario. Avait-il des comptes personnels à régler avec son daron ? Cherchait-t-il à dépeindre un portrait au vitriol de l'Amérique divisée d'aujourd'hui en confrontant deux représentants de ses extrêmes ? Son premier film, d'une lourdeur terrible, est particulièrement chaud à encaisser. Il nous raconte les déboires d'un cinquantenaire homosexuel (lui-même), contraint d'accueillir son vieux père atteint de démence (Lance Henriksen) dans sa maison de L.A., où il vit avec son compagnon et sa fille.

 

Tout oppose le père et le fils, leur cohabitation sera chaque jour une épreuve qui ravivera toutes les blessures passées et fera remonter à la surface les souvenirs d'une relation pourrie... Un vaste programme dont Mortensen ne veut pas nous faire louper une miette. Son histoire de famille pèse des tonnes et on a un mal fou à s'y intéresser. Nous aurions pu être heureux de retrouver Lance Henriksen dans un tel film, mais on aurait souhaité que son rôle soit plus nuancé, plus subtil. Car il incarne ici la pire raclure possible. Raciste, homophobe, misogyne, colérique et vulgaire, cet homme-là a toutes les qualités et, en plus, il perd la boule, ce qui le rend totalement ingérable au quotidien. Il est à l'exact opposé de son fils, ouvert d'esprit, progressiste, sensible et délicat, qui finira toutefois par ne plus pouvoir contenir sa colère lors d'une scène de crise qui se veut peut-être poignante mais échoue à nous sortir de notre torpeur.

 

 

On ne peut pas en vouloir à Henriksen et Mortensen acteurs, ils assurent ce job-là correctement, notamment le premier qui fait tout son possible dans la peau de ce personnage impossible. On peut davantage en vouloir à Mortensen réalisateur, dont la mise en scène est d'une platitude abyssale. Elle ne fait rien pour dynamiser son laborieux scénario, régulièrement lesté par des retours en arrière au moins aussi chiants que le temps présent du récit, où l'on découvre que le père Henriksen était une crevure dès le départ. Soit dit en passant, Henriksen jeune est incarné par un acteur qui ne lui ressemble vraiment pas : cela pourrait ne poser aucun problème mais ici, la différence est telle que l'on tique forcément (difficile aussi, il faut bien l'admettre, de partager la tronche si spéciale et familière de celui qui était jadis si crédible en androïde).

 

Un cameo inutile de David Cronenberg en toubib impassible ravira les fans. Quelques plans sur des feuilles d'arbre où percent les rayons du soleil et d'autres sur des brins d'herbe pris dans la rosée du matin semblent glissés là pour nous rappeler que Viggo Mortensen est aussi un poète. Mouais... Il ne faudrait pas non plus oublier qu'il était également la vedette de l'un des films indés les plus faux jetons de ces dernières années, le crapuleux Captain Fantastic. Bien calibrée, sous son vernis rebelle, cette saloperie n'avait cependant guère entamé la formidable côte de popularité de l'acteur, bien au contraire, puisque le film fut quasi unanimement salué. Son premier long en tant que réalisateur, plutôt bien accueilli aussi par des critiques définitivement sous le charme, atteste que ce type-là a bel et bien le mojo. Falling est pourtant une expérience longue et douloureuse, dont on ne retire pratiquement rien. Ça m'a fait... une sorte de fussoir !

 

 

Falling de Viggo Mortensen avec Lance Henriksen et Viggo Mortensen (2020)

Oxygène

Voilà déjà quelques jours que les abonnés Netflix ont la chance de pouvoir découvrir Oxygène, le nouveau film d'Alexandre Aja. Quelques jours, c'est peu, mais à l'ère des réseaux sociaux et des sites de notations à tout-va, c'est aujourd'hui suffisant pour évaluer l'accueil réservé à une telle sortie. Nul doute que plus personne ne se souviendra d'Oxygène dans quelques années, que dis-je, quelques mois ; mais, à J+10, force est de constater que, malgré la nullité quasi totale du film en question, les retours ne sont pas si négatifs, ils sont même globalement positifs. Oxygène a été reçu avec un certain enthousiasme, mesuré, certes, mais bien réel. Longtemps après l'accueil, déjà beaucoup trop chaleureux, accordé au précédent opus du cinéaste français, et juste après avoir vu la petite merde dont il s'agit ici, j'en viens au constat suivant : on est drôlement bienveillant avec Alexandre Aja. Et je me demande encore pourquoi, d'où ça vient, comment est-ce possible... Cela me plonge dans une incompréhension dont nous parlions déjà dans notre article sur Crawl.

 

Alexandre Aja semble encore bénéficier d'une indulgence étonnante en raison de la réputation démesurée de ses premiers faits d'arme, Haute Tension et son remake de La Colline a des yeux, deux films d'horreur brutaux qui avaient fait de lui l'un des parangons de ce que certains ont nommé la "french touch" du cinéma de genre. Peut-être jouit-il aussi de cette espèce de vague sympathie qu'inspire sa tronche amicale et son allure désinvolte de vieux pote du lycée qui a réussi mais qui n'a pas changé. Allez savoir... Avec les films bêtes et laids qu'il commet à un rythme de métronome, Aja occupe pourtant désormais une place de choix parmi ceux qui participent, aux yeux des spectateurs qui y sont les moins réceptifs, à maintenir le genre dans le caniveau du septième art, tout au bout de l'éventail, voué au mépris ou à l'indifférence. Oxygène est bel et bien digne de cela : sitôt vu, sitôt envie de l'oublier très fort en se disant qu'on a déjà perdu assez de temps avec ça (et c'est bien là le seul effort intellectuel auquel il invite).

 

 

J'ai déjà qualifié le film de "petite merde". C'est naze, je sais. Vous nous avez connus plus imaginatifs, originaux, inspirés. Mais quand je repense à Oxygène, ce sont vraiment les premiers mots qui me viennent à l'esprit, très naturellement, très spontanément, j'en suis désolé. "Petite" de par la taille du caisson dans lequel est enfermée Mélanie Laurent pendant 90 minutes ; petite de par le minimalisme affiché du pitch et la débilité d'un scénario très faible, incohérent à mesure qu'il se révèle, échouant à nous maintenir alertes et tendus comme nous devrions l'être devant un tel survival, et ne parvenant certainement pas à provoquer le vertige ou la fascination propre à la SF à concept fort qu'il convoque dans sa dernière partie. Et enfin, "merde", terme allié au précédent pour rappeler les talents de metteur en scène très limités d'Alexandre Aja et souligner l'insignifiance extrême de la chose. C'est qu'il n'y a rien à voir là-dedans. Il n'y a qu'à subir. Subir un film qui bat de l'aile d'entrée de jeu, qui s'essouffle et manque d'air, comme son héroïne, dès les premières minutes, et qui ne parvient à installer qu'une tension très superficielle, bête, vaine, la même que nous pourrions ressentir en contemplant un compte à rebours s'écouler sous nos yeux.

 

 

Sans idée, fuyant systématiquement son huis ultra clos par des flashbacks miteux, Aja se réfugie dans des trucs faciles, typiquement ceux d'un réalisateur de films d'horreur aux abois, en panne sèche : jump scares gratis et images gores hideuses en numérique, les deux allant souvent de paire. Il achève de nous exaspérer quand il tente un plan-séquence ridicule où la caméra tournoie dans le caisson, encore et encore, dans un mouvement pénible et laborieux qui ne semble jamais finir. Pendant ce temps, son actrice Mélanie Laurent se démène et pose également question : on ne sait pas si elle joue tout simplement mal ou si elle expérimente, si elle innove, aux frontières de l'avant-gardisme de l'acting. "Je suis un putain de clone !" est-elle amenée à hurler, en gesticulant toute seule dans sa boîte. Avouons qu'elle ne pouvait pas transformer cela en or... On jurerait entendre "clown" et non "clone". L'actrice a des intonations surprenantes, à côté, qui sonnent faux. Paradoxalement, c'est aussi l'une des curiosités du film... Et pour finir sur une note positive, en faisant preuve de la même grandeur d'âme que la majorité des malheureux qui ont maté ça, je peux relever la seule chose que j'ai trouvée pas si mal là-dedans : ce bras mécanique ayant des airs de serpent insaisissable, qui sort régulièrement de son enclos métallique, menaçant l'héroïne de piqûres fatales. On touche là à une peur universelle, celle de voir une saloperie s'immiscer de force en nous par l'un de nos orifices. Une sensation peut-être bien familière à ces abonnés Netflix, curieux de découvrir les dernières sorties ciné de la plateforme. A présent, L'Armée des Morts de Zack Snyder les attend. Veinards !

 

 

Oxygène d'Alexandre Aja avec Mélanie Laurent et la voix de Mathieu Amalric (2021)

ADN

Concentrons-nous sur le positif. Il porte le nom certes peu avenant de Dylan Robert. Ce jeune homme plein de vie prend le contrôle de la première partie du dernier film en date de Maïwenn : un quart d'heure de félicité. Une parenthèse enchantée avant un long et pénible marasme autobiographique, auto-centré, égocentrique, égotique, égoïste, mégalo, narcissique, auto-satisfait signé Maïwenn, en pleine (et déjà longue) crise d'adolescence, laquelle, dans un scénario décousu et gueulard (comme toujours), où trois (mauvaises) idées se battent en duel, s'interroge sur ses racines et fait un petit test ADN après la mort de son papy. Le titre n'est pas menteur. Ce film n'est pas suffisamment bien écrit ou réalisé pour que l'existence et les origines de Maïwenn puissent nous concerner un seul instant. Désolés. L’acmé du film est quand même une scène de cauchemar, dont l'emplacement sera marqué par une croix sombre dans la prochaine encyclopédie en dix-huit tomes de histoire de l'art figuratif français avec comme légende "aperçu de l'enfer", où les principaux personnages, arborant chacun un crotale autour du cou, enfoncent sans prévenir et violemment la tronche de leur vieux père dans un plat de spaghettis bolognaise, puis le ressortent de son auge et le forcent à ouvrir le gosier et en lui tirant sur les oreilles et en lui serrant la glotte à bras raccourcis, tout ça pour récupérer un peu de salive en vue du fameux test ADN (la bave du papa n'aura finalement aucun intérêt pour la suite du scénario, celle de la mère acariâtre ayant suffi apparemment, mais passons... tout le monde s'en carre). Quand cette scène est le climax du projet, on se rattache fissa à quelques prises d'air salutaires. Par exemple Louis Garrel (believe it or not), qui a le mérite d'apporter un peu de spontanéité non-forcée en enchaînant bon an mal an les petites blagues inoffensives. Mais surtout, pour boucler la boucle, on remercie Dylan Robert (ou Robert Dylan ? on ne sait pas), le petit ange de la Cannebière, qui déroule pendant 15 minutes, passe du bon temps dans l'EPHAD de son grand-père grabataire, avec son jeu d'un naturel désarmant (déjà entraperçu dans Shéhérazade), amuse la galerie, enchaîne les jongles verbaux au milieu de trente-six vieux au bord du trépas, éclaire d'une beauté juvénile leur reste-à-vivre. Malheureusement l'acteur est coupé en plein vol par le décès de son aïeul et Maïwenn a vite fait de se reconcentrer à 200% sur son gros nombril, très occupée à filmer toutes les étapes des obsèques de l'ancêtre jusqu'au moindre détail, pendant plus de la moitié de son film, et peu soucieuse d'éjecter l'électron libre Dylan Robert de l'image, condamné à l'arrière-arrière-arrière-plan, pour mieux se filmer elle, tel un Rudi Garcia croyant bon de remplacer un Flo' Thauvin étincelant, virevoltant sur son aile droite, par un Valère Germain appelé à jouer huitième défenseur central alors que les Phocéens sont déjà menés au score par trois buts d'écart face à l'armada brestoise, et ce dix minutes avant la mi-temps. 

 

 

ADN de Maïwenn Le Besco avec Maïwenn Le Besco, Dylan Robert et Louis Garrel (2020)

Lure of the Wilderness

Ou, littéralement, L'Attrait du monde sauvage (et non Prisonniers du marais, comme le voulut le triste titre français). Et quel attrait... L'impression est là, de passer une heure et demi dans un marécage labyrinthique de Géorgie, beau et dangereux, fascinant, dont Laurie, personnage féminin principal, qui l'arpente en tout sens et en connaît les herbes, notamment celles qui soignent ("Swamp's magic") dit que le jour où elle le quittera, il ne se passera pas un instant sans que la brûle le besoin d'y revenir, de le voir, de l'entendre. Et à la fin, quand son père se retourne pour le regarder, l'ayant enfin quitté après des années, il demande une seconde de plus, car c'est comme revenir à la vie. On ne sait pas ce qu'il veut dire, car il vient d'y revenir, à la vie (la ville, les autres, sa maison), en quittant le marécage, mais dans la façon qu'il a de dire "coming back to life" en prenant cette seconde supplémentaire pour regarder encore vers le marais, on dirait que revenir à la vie c'est s'attarder dans les méandres aquatiques encore un peu. 

 

 

 

J'aime la grande simplicité de ce film, ses personnages entiers, la réduction des lieux et des enjeux, son apparente modestie, son air de film de seconde zone, alors que tout ou presque m'y plaît tant. Lure of the wilderness s'inscrit sans hésitation possible dans la catégorie des films que j'ai regardés des dizaines et des dizaines de fois, en boucle, étant petit, complètement envoûté, avec ce besoin d'y revenir, de le voir, de l'entendre encore et encore. Du moins il s'y inscrit virtuellement, car je viens de le découvrir et ne l'ai donc jamais vu enfant. Tant pis... Je suis heureux de le découvrir aujourd'hui, et c'était pas gagné, c'est même complètement dû au hasard, je dois dire, celui d'avoir croisé et simplement aimé le titre original en jetant un œil à la filmographie de l'actrice Jean Peters (un peu oubliée, dont la carrière fut brève mais remarquable, et les rôles souvent inoubliables, de La Flibustière des Antilles de Tourneur au Bronco Apache d'Aldrich en passant par Le Port de la drogue de Fuller, mais aussi d'autres films de Jean Negulesco, dont un déjà aux côtés de Jeffrey Hunter) après l'avoir récemment adorée dans le Niagara de Henry Hathaway, où elle éclipse complètement Marilyn Monroe (il faut le faire). Du titre à une paire d'images du film, où j'ai cru retrouver, dans l'aspect du bayou, celui des Everglades d'un autre film que j'aurais regardé en boucle si je l'avais découvert enfant, et que j'aime maintenant tout autant en ne l'ayant vu qu'une fois, La Forêt interdite de Nicholas Ray.

 

 

 

J'aime bien que le film s'ouvre vite, avec le personnage principal (Jeffrey Hunter donc) cerné de son père et de son chien sur une barque approchant le marécage, la zone inexplorée précédée d'un totem à la tête de mort dissuasive. J'aime bien que le personnage principal retourne dans cet enfer, malgré le spectacle des crocodiles affalés sur la rive, parce que son chien Careless (en français : Balec) s'y est perdu et qu'il ne compte pas le laisser là-bas. J'aime bien son errance dans l'enchevêtrement impossible du marécage, relancé par la musique, qui lui donne du ressort. J'aime bien qu'il trouve au fin fond de ce bourbier un père et sa fille, oubliés du reste du monde, Jim et Laurie Harper, cachés dans les plis de la nature hostile pour échapper au lynchage suite à une fausse accusation de meurtre. J'aime bien que ce père soit interprété par Walter Brennan et sa fille par Jean Peters, vêtus de peaux rapiécées, et que la fille, sauvage en diable, chasse à l'arc pour les défendre et nourrir. J'aime bien que Walter Brennan chante la nuit au coin du feu, ponctuant sa mélopée de tout un tas de fausses notes qui l'agacent mais ne l'arrêtent pas, parce que quand Walter Brennan chante on repense à Rio Bravo.

 

 

 

J'aime bien la manière dont un serpent saute à la gueule de Walter Brennan qui boit un peu d'eau sans se méfier, le laissant tétanisé, la joue boursouflée, mais surtout j'aime bien que les deux autres, après l'avoir laissé pour mort au bord du point d'eau et après avoir creusé sa tombe un peu plus loin, croient voir un fantôme en le retrouvant assis au coin du feu, la joue toujours bombée, et groggy, mais vivant, pour la simple raison que les marais invitent à croire aux revenants. J'aime bien la façon dont le père du personnage principal sourit puis se recompose aussitôt un visage de père autoritaire et froid quand il retrouve son fils sous son toit alors qu'il le cherchait depuis des jours, le croyant perdu, et finalement lui file des tartes dans la tronche et le fout hors de chez lui, au risque de le perdre deux fois, parce qu'il compte coûte que coûte retourner dans le bayou et que cette idée le met hors de lui. J'aime bien la boîte de cigares que notre beau ténébreux aux yeux brillants rapporte à Brennan dans sa retraite fangeuse, et la durée du plan où le vieux allume et tire sur le tube noir avec un plaisir qui me donne une violente envie de me mettre aux barreaux de chaise alors que je n'ai jamais tiré sur une simple clope. Et le bal, où, pendant qu'ils dansent, Jean Peters baisse les yeux et les relève vers Jeffrey Hunter environ 62 fois, avant qu'il pose son menton sur son front à elle, sous le regard de l'actrice Constance Smith, jalouse car promise au jeune premier avant qu'il rencontre Laurie dans le marais. Et ce détail, totalement fortuit, de la mouche qui se pose à ce moment-là sur le corsage de l'éconduite. Et le combat de Walter Brennan contre un croco au fond de l'eau, et Jack Elam aux prises avec les sables mouvants... Je voudrais avoir 7 ou 8 ans à nouveau et retourner vers le marais, le voir, l'entendre, encore et encore.

 

 

(PS. J'ai depuis vu Swamp Water (L'étang tragique, 1941), film américain de Jean Renoir et Irving Pichel, dont Lure of the Wilderness est un remake. Eh bien autant vous dire que le film dont il est question ici s'inscrit selon moi sans hésitation dans le petit cercle des remakes supérieurs à l'original. Les deux films sont très proches, mais les scènes identiques sont moins marquantes dans le premier (comme celle où Brennan se fait mordre par un mocassin d'eau et passe pour mort), et tout ce qui fait que j'ai aimé le film de Jean Negulesco n'existait pas dans son prédécesseur, qui ne s'attarde pas assez dans le marécage, laisse le personnage qui l'habite en retrait part rapport aux autres (c'est Walter Brennan qui joue le rôle dans les deux films), et celui de sa fille (d'abord incarnée par la formidable Anne Baxter) en souillon des villes au lieu d'en faire une héroïne des marais. Le premier film américain de Renoir (deux ans après La Règle du jeu), qui n'est pas si mal, attention, a aussi le tort, quand on connait son doublon, de se focaliser sur les conflits internes au village au lieu de laisser le temps, par exemple, à Walter Brennan de chanter ou de fumer le cigare...)

 

Lure of the Wilderness (Prisonniers du marais) de Jean Negulesco avec Jean Peters, Jeffrey Hunter, Walter Brennan et Jack Elam (1952)

Godzilla vs. Kong

Satan-le-Tentateur aura eu raison de moi et d'une de mes soirées. Il m'a guidé vers ce film. Je n'ai pu résister. Je voulais peut-être répondre à cette question qui me hantait tant devant l'affiche : pourquoi Godzilla vs. Kong et pas Kong + Godzilla vs. le reste du monde ? Pourquoi ces deux-là ne seraient-ils pas d'emblée amis, étant donné qu'ils sont un peu seuls dans leur gabarit ? Normalement, ça devrait créer un lien très fort entre eux. Là, ça se traduit seulement par beaucoup d'animosité... Or je n'ai pas trouvé la solution à cette énigme devant ce film nul et non-avenu mais devant la bande-annonce de son ancêtre de 1962, King Kong contre Godzilla de Ishirō Honda, le fameux concessionnaire. On apprend dans ce teaser d'époque que les capacités cognitives des deux bêtes divergent grandement, d'où probablement des disparités de comportements et, au bout, inévitable, le conflit.

 

 

 
 

Kong a un cerveau de gorille, très proche de  celui de l'homme, mais démultiplié par sa taille phénoménale. Il possède donc les capacités intellectuelles d'un marsupial de bonne taille multipliées par 10 ou 15, peut-être plus ? Résultat, il étale le plus brillant des homo sapiens, y compris un type comme Pep Guardiola. Problème : il n'a toujours pas accès à la parole. Imaginez le bouillon de culture dans sa tronche. Kong a résolu tous les mystères de l'univers, mais il est incapable d'en parler à quelqu'un, ce qui le rend nerveux. Au contraire de lui, et toujours d'après le film-annonce de la version japonaise de 62,  le cerveau de Gozilla a la taille "d'une couille humaine" (sic.), et cette petite bille se balade dans sa gigantesque boîte crânienne comme une boule de flipper à chaque fois qu'il tourne la tête. C'est un pur et faramineux abruti. Un débile modèle géant. 

 

 

 

 

Kong et Godzilla sont donc comme deux gosses prématurés, l'un surdoué, l'autre attardé, tous les deux physiquement surdimensionnés, perdus dans une cour de récréation, à part et rejetés par le groupe des morpions humains, mais incapables de fraterniser, le plus malin des deux incarnant la tronche de turc idéale de l'autre jobastre atomique. Kong est un authentique génie mutique au physique ingrat. Godzilla est le beau gosse entièrement guidé par sa queue gigantesque, mieux innervée que le pois chiche qui roule des mécaniques dans sa casemate. Bilan, ils fracassent tous les mômes qui courent autour d'eux et, quand ils tombent l'un sur l'autre, ils se ruinent aussi la tronche...

 

J'arrive au bout de ce papier et je n'aurai guère parlé du film, gardant plus de souvenirs de la bande-annonce du prequel de 62, beaucoup trop cité ici, que du film d'Adam Wingard. Mais tout le monde sait, celles et ceux qui ont cédé à l'appel du Diable et l'ont regardé, comme moi, autant que tous les gens qui ont résisté à l'appel de Cthulhu, que ce film, qui d'après la bande-annonce de son homologue du passé devrait "nanifier tous les autres films", est une innommable merde. Gozilla et Kong, les deux géants du cinéma, au temps du COVID, auront fini leurs roulés-boulés sur toutes les petites lucarnes du monde. Ou quand l'infiniment petit (le virus) fait un pied de nez à l'infiniment gros (les deux cons).

Godzilla vs. Kong de Adam Ringard avec Kyle Chandler, Charles Dance, Millie Bobby Brown et tout le monde s'en fout (2020)

Miracle

Ce film nous raconte l'exploit réalisé par l'équipe américaine de hockey sur glace qui a réussi à vaincre les invincibles soviétiques lors des Jeux Olympiques d'Hiver de 1980. Une véritable prouesse sportive que les commentateurs ont tôt fait de désigner sous l'appellation grandiloquente de "miracle sur glace", d'où le titre, et qui a même été désignée par la IIHF (Fédération internationale de hockey sur glace) comme le plus bel accomplissement réalisé dans ce sport. Il est vrai que la victoire des jeunes américains paraissait très improbable face aux ogres soviétiques qui dominaient totalement ce sport depuis près de vingt ans avec leur команда мечты (dream team en russe) ultra expérimentée au jeu inégalable. Mais relativisons cet exploit : les américains jouaient à domicile, peinards, rentrant chez eux pour retrouver père et mère après chaque match, tandis que les russes étaient encore en plein jet lag, éloignés de leur famille, sous le choc de la découverte de la société capitaliste américaine, si différente de la leur. Dans de telles circonstances, il n'y a en réalité pas de quoi être très fier de l'avoir emporté de justesse face à une bande de vieux russes désorientés qui avaient simplement hâte de rentrer à la maison. Ce détail précisé, concentrons-nous à présent sur le film de Gavin O'Connor, ici plus en forme que pour le récent The Way Back.

Le générique est à lui seul un véritable tour de force qui cueille le spectateur innocent dans son fauteuil : en deux minutes et dans un gloubi-boulga d'images d'archive étonnant, Gavin O'Connor parvient à synthétiser un siècle d'histoire des États-Unis d'Amérique ! Une histoire déjà bien orientée et fortement teintée de patriotisme, mais après tout, en lançant un tel film, on sait très bien à quoi s'attendre. Gavin O'Connor est bel et bien là pour nous raconter un miracle purement américain, des jeunes hommes venus des quatre coins du pays qui ont su s'unir sous l'aile d'un leader infaillible, leur coach illuminé, pour former une vraie équipe, une "famille", afin de vaincre l'ennemi soviétique sur la glace, en plein contexte de Guerre Froide. Miracle est également un film Walt Disney, les violons sont de sortie et accompagnent chaque moment un peu poignant, chaque scène clé. On ne fait pas dans la dentelle, et nous sommes donc prévenus dès les premières images.

Heureusement, le cinéaste peut s'appuyer sur des acteurs concernés, à commencer par l'irréprochable Kurt Russell dans la peau du célèbre Herb Brooks, qui nous offre le portrait crédible d'un entraîneur surmotivé par un regret personnel, désireux d'accomplir ce à côté de quoi il est passé dans sa jeunesse, une reconnaissance internationale. Il met pour cela en pratique des idées toutes simples mais nouvelles pour les hockeyeurs ricains, en s'inspirant également du modèle russe et des préceptes de Didier Deschamps, à savoir : le bon fonctionnement et la complémentarité de l'équipe sont plus importants que le talent des individualités. Food for thoughts... Les speechs prononcés par Kurt Russell atteignent toujours leur but. L'acteur n'en fait pas des caisses, il n'en a pas besoin. Face à lui, aucune star, les joueurs sont interprétés par des acteurs aux tronches toutes similaires mais plutôt sympathiques, que l'on a recroisées dans rien de marquant depuis.

Le scénario du film a aussi cette qualité qu'il ne s'embarrasse pas d'à-côtés encombrants qui freineraient la progression vers le climax tant attendu, le match contre l'URSS. Pas d'histoire de cœur. Pas de girlfriend un peu gênante. Et même sans cela, Miracle atteint déjà allègrement les deux heures. Les joueurs de hockey restent sur la glace et nous ne les voyons que très peu en dehors. Seule la vie conjugale du coach nous est un peu partagée, mais cela ne parasite pas vraiment le déroulement naturel du film, au contraire même, et le fait que la femme de Kurt Russell soit campée par l'agréable Patricia Clarkson participe beaucoup à la qualité de ces scènes. Il faut ensuite reconnaître un certain savoir-faire à Gavin O'Connor qui parvient sans souci à nous intéresser à cette équipe de hockey et à nous captiver lors des séquences de matchs énergiques et assez bien menées compte tenu de la réelle difficulté de filmer et rendre lisible un tel sport, si rapide et riche en bousculades. Le fameux match contre les soviétiques est à la hauteur de l'attente entretenue tout le long. On retrouve ici l'efficacité dont O'Connor a aussi su faire preuve dans Warrior, cet autre film sportif où Tom Hardy et Joel Edgerton jouaient deux frères amenés à en découdre en ultimate fighting. On retrouve également l'aspect patriote et cette grosseur du trait chers au cinéaste, jamais très finaud.

On attend désormais de pied ferme un film sur le regretté Loulou Nicollin et sa bande qui réussirent à devancer le géant parisien lors de la saison de Ligue 1 2011-2012. Assez disponible, Olivier Giroud pourrait facilement jouer son propre rôle et il s'agirait d'un hommage qui tomberait à pic pour un grand président parti trop tôt. Les dernières images de Miracle nous apprennent d'ailleurs que le pauvre Herb Brooks est décédé dans un accident de voiture avant même la fin du tournage. Une ligne précise "Il ne l'a pas vu. Il l'a vécu" et conclut comme il se doit ce film de sport tout à fait honnête.

Miracle de Gavin O'Connor avec Kurt Russell et sa team (2004)