Terminator : Dark Fate

Plus personne ne parle de ce film. Plus personne. A sa sortie aussi, il n'avait pas fait de bruit. Durant les semaines qui l'avait précédée, en revanche, on avait essayé de nous mettre l'eau à la bouche en nous le vendant comme la première suite adoubée par James Cameron himself et en nous invitant à oublier tout ce qui avait été fait depuis le deuxième opus. Tu parles... C'était avoir la mémoire bien courte : on nous avait déjà fait le coup avec Terminator Genisys, que l'on nous présentait comme un reboot revigorant toute la franchise et où l'on pouvait lire, écrit en gros sur l'affiche, "Vous allez adorer" signé Jimmy C. Les plus pointus m'indiqueront que, cette fois-ci, Cameron a eu un rôle plus actif, puisqu'il est producteur et a même participé au scénario (!). Pour les précédents, il ne jouait au mieux qu'un vague rôle de consultant. Mais à quoi bon pinailler là-dessus vu le résultat final : on a de nouveau affaire à une énorme daube sans intérêt. James Cameron n'en a sans doute rien à battre non plus, son nom n'est jamais vraiment sali et les spectateurs sont encore plus nostalgiques de ses deux premiers films. Je suis sûr que, quelque part, il n'est pas mécontent de voir sa franchise sombrer un peu plus à chaque nouveau film réalisé par quelqu'un d'autre que lui. C'est cette fois-ci Tim Miller, auréolé du succès de Deadpool, qui s'y est collé, mais cela aurait pu être n'importe quel tâcheron incapable de torcher une scène d'action à peu près valable.

Je fais partie des quelques malheureux qui sont allés voir ce Terminator : Dark Fate au cinéma, emmené et invité par mon frère Poulpe, plus connu sur ces pages sous le doux sobriquet de Brain Damage. C'était une période bien morne en termes de sortie ciné. Pour vous donner une idée, on avait hésité entre ça et Doctor Sleep... Nous en menions pas large à la fin d'une séance vécue dans un silence mortuaire à peine troublé par quelques questions que je soumettais à mon frère pour qu'il éclaire ma lanterne sur quelques détails absurdes du scénario. Mes interrogations portaient pour la plupart sur la nature exacte du nouveau modèle de terminator présent ici sous les traits de Gabriel Luna. "Dis Poulpe, comment ça se fait que le terminator ait besoin de se connecter physiquement à un data center pour avoir accès aux caméras de surveillance ? Il n'a pas le wifi ?", "Dis Poulpe, si ce terminator peut se dédoubler, pourquoi il ne le fait pas plus souvent pour être deux fois plus efficace ?". Prenant à cœur son rôle de grand frère, Poulpe avait toujours des réponses satisfaisantes et rassurantes à m'apporter, elles me permettaient de maintenir la tête hors de l'eau, mais je ne me souviens d'aucune et, en réalité, il se contredisait beaucoup.

Un bon rösti bien gras suivi d'une dame blanche dégustés sans dire un mot du film ont sauvé notre soirée. Pendant les jours suivants, j'ai tanné mon frère Poulpe pour qu'il m'inspire quelques lignes dignes d'être partagés avec vous à propos de ce maudit film. Toutes mes sollicitations furent vaines jusqu'à cet instant étonnant où Poulpe a pris une pose pensive avant de lentement déclamer ce poème, dont le titre, prononcé en guise d'introduction, doit être Terminator, sombre destin :

Quelques-uns partent le voir

animés d'un léger espoir.

Ils sortent de la salle

en se sentant sale.

Voilà. C'est tout ce qu'il m'a sorti. Après ça, il n'y avait plus rien à tirer de lui ; après ce triste quatrain aux rimes pauvres qui, en tant que tel, est déjà une œuvre d'art infiniment supérieure à la dernière cochonnerie signée Tim Miller. Le manque total d'idée et de savoir-faire de Miller va jusqu'à nous faire regretter le Terminator 3 de Jonny Mostow. Ce dernier, en bon faiseur de cinéma d'action à l'ancienne, avait au moins su pondre une bonne scène de poursuite en camion. Ici, dès ce flash-back introductif très problématique et inutile où nous assistons à la mort lamentable de John Connor (Edward Furlong), froidement abattu à la plage par un terminator surgi de nulle part alors qu'il commande une pina colada à sa môman, on sait que ça va schlinguer un max. Nous ne sauverons même pas les quelques répliques débiles d'un Schwarzy en roue libre et visiblement conscient du ridicule de la chose, ni le retour pathétique d'une Linda Hamilton venue caricaturer l'unique personnage qui l'a rendue célèbre, ni les quelques efforts d'une Mackenzie Davies pas désagréable en humaine améliorée envoyée dans le passé pour protéger, devinez qui, la future cheffe de la résistance. Rien de neuf sous le soleil, c'est toujours la même histoire sans l'ombre d'une trouvaille valable à l'horizon. On peut jeter tout ça aux oubliettes et continuer de faire comme si ce film n'existait pas.

Terminator : Dark Fate de Tim Miller avec Natalia Reyes, Mackenzie Davis, Linda Hamilton, Gabriel Luna et Arnold Schwarzenegger (2019)

Ben is back

Film de dingue ! C'est l'histoire d'un camé qui quitte en loucedé son centre de désintox pour débarquer chez lui à l'improviste la veille de Noël. Sa présence fout toute sa famille en état de choc et de sidération, à commencer par sa daronne, Julia Roberts, qui oscille entre l'accueillir à bras ouverts ou lui foutre un flingue sur la tempe pour pas qu'il merde de nouveau. L'action se déroule sur une poignée d'heures et le film se mate comme un véritable thriller, en quasi temps réel. Replongera, replongera pas ? Là est la question ! Ben est campé par le jeune Lucas Hedges, un acteur qui tire tout le temps la tronche, que l'on a déjà vu tout récemment dans Boy Erased et 90s mais aussi Three Billboard, Lady Bird ou encore Manchester by the Sea. Bref, un p'tit gars qui, d'ordinaire, choisit bien ses rôles, en termes de succès public et critique en tout cas, mais qui s'est ici un peu planté. Faut dire que c'est son padre qui tient la caméra, Peter Hedges. Celui-ci devait tenir mordicus à mettre son propre fils dans la peau d'un addict à la coke pour l'en dégoûter à jamais. Va savoir... Julia Roberts fait le taff. Elle est plutôt crédible en mère cougar en quête d'un nouvel Oscar. Mais ce qui nous a surtout plu, là-dedans, c'est le rôle central accordé au chien de la famille, une adorable petite boule de poils nommée Ponce.

Ponce est un yorkshire terrier très apprécié par la famille Roberts pour sa fidélité, sa loyauté, sa douceur, sa maladresse, sa discrétion et sa gaieté. Il est plus précisément le chien de Ben, qui n'a tout de même pas pu l'embarquer avec lui au centre de désintox, où les animaux de compagnie dépassant les 20 centimètres de long ne sont pas acceptés dans les chambres (les règles sont curieuses mais c'est ainsi). Ponce est un clébard sensass qui chipe la vedette à tout le monde. Entre lui et Ben, il existe un lien très particulier, puisque le premier a sauvé le second d'une overdose qui aurait très bien pu être fatale sans cette léchouille salvatrice au petit matin d'une nuit oubliée. Bref, Ponce est une sorte de totem familial et son statut d'intouchable est indiscutable. Le réalisateur a le mérite de très lisiblement nous présenter tous les enjeux qui entourent le petit Ponce.

Le seul problème de ce chien sympathique, c'est qu'il est aussi la vedette de tout le quartier. Un quartier dont certains habitants conserveront à tout jamais une dent contre Ben et verront donc d'un bien mauvais œil son retour inattendu. Car Ben a certaines dettes et autres comptes à rendre : il est celui qui a tapé 50 biftons à l'un pour se payer sa came en douce et qui n'a jamais effacé son ardoise, il est celui qui a poussé la première de la classe et fille du voisin vers les abîmes de la cocaïne lors de soirées sans fin... Il n'est pas net, il a des trucs à se reprocher et Peter Hedges met le paquet pour nous indiquer que la drogue, c'est mal, pour soi et pour les autres. L'un des ennemis jurés de Ben, un homme masqué à l'accent mexicain, va donc avoir la sale idée de prendre Ponce en otage pour récupérer enfin son butin. L'essentiel du film consiste donc à suivre Julia Robert et Lucas Hedges à la recherche de Ponce, dont vous pouvez être sûrs que vous n'oublierez jamais le doux nom.

Dans sa dernière demi heure, Ben is Back prend les allures d'une sorte de road movie de quartier, avec très peu de route parcourue (on doit être à 5 kilomètres à tout péter au compteur) mais énormément de temps effectif passé dans la bagnole, à l'affût de la moindre trace d'un clebs. C'est pas folichon mais franchement, il faut bien reconnaître qu'à force, nous aussi, on a sacrément envie de refoutre la main sur ce con de Ponce, qui est bien le seul de la bande à ne pas mériter un tel sort. Le suspense s'installe tandis que Julia Roberts et Lucas Hedges passent le meilleur réveillon de leur vie. Alors que l'on pouvait craindre un drame lacrymal lourdingue sur un addict pénible susceptible de replonger à tout moment, on a finalement droit à un thriller lacrymal pénible sur un addict susceptible qui finit effectivement par replonger dans la came avant d'être une nouvelle fois sauvé par son chien, lors d'un deus ex machina inespéré qui nous laisse tout sourire. Sacré Ponce !

Ben is back de Peter Hedges avec Lucas Hedges, Julia Roberts et Ponce (2019)

The Big Sick

98% de critiques positives sur Rotten Tomatoes, 55 millions de dollars engrangés au box office pour un budget dix fois moindre, 7,7/10 sur IMDb, une première très remarquée au festival de Sundance... Produit par Judd Apatow, réalisé par Michael Showalter mais piloté par le comique Kumail Nanjiani, acteur principal et scénariste, The Big Sick était l'un des plus grands succès du cinéma indépendant américain en 2017. Puisqu'il nous raconte, dans un style semi-autobiographique, les déboires amoureux de son personnage principal, un comique de stand-up ayant du mal à tout gérer à la fois (Kumail Nanjiani, dans son propre rôle), nous aurions pu espérer un pendant masculin au sympathique Crazy Amy, la comédie assez réussie portée par l'énergique Amy Schumer sortie il y a quatre ans.

En réalité, The Big Sick se concentre essentiellement sur la rencontre entre Kumail et Emily et l'histoire d'amour compliquée qui en découle, le premier, issu d'une famille pakistanaise traditionaliste, ne pouvant pas s'engager avec la seconde, quant à elle très simple, directe et entière dans sa façon de vivre et d'exprimer ses sentiments. Progressivement, le film de Showalter et Nanjiani apparaît comme une vieille romcom dénuée de véritable pouvoir comique, à la progression trop prévisible et lourdingue. On est finalement bien loin de Crazy Amy, qui reste pour nous un bon souvenir, avec ses quelques scènes marrantes, ses personnages secondaires amusants et un schéma de romcom qui, pour une fois, passait plutôt bien. Ici, bien que les personnages et leurs interprètes ne soient pas antipathiques (mention spéciale à Zoe Kazan), ils ne sont pas particulièrement attachants et, hélas, jamais drôles. Les quelques passages de stand-up sont d'ailleurs d'une affligeante pauvreté.

Kumail Nanjiani a co-écrit le scénario avec sa compagne à la ville, Emily V. Gordon, pour mieux nous narrer leur propre rencontre, comme si celle-ci avait réellement quelque chose d'exceptionnelle. Il faut dire qu'après avoir mis un terme à leur relation, vaincue par la barrière infranchissable que semble être la culture pakistanaise et dégoûtée, surtout, par le manque d'implication de Kumail, Emily tombe gravement malade et finit à l'hosto, dans le coma. C'est alors que, de son côté, Kumail se réveille et mesure enfin les sentiments qu'il éprouve pour la malade. Il se rapproche durant cette épreuve des parents d'Emily (la mère est incarnée par une méconnaissable Holly Hunter), avant de renouer définitivement avec celle-ci, une fois tirée d'affaire. Quelle sublime love story... Le couple Nanjiani - Gordon paraît vouloir jouer la carte de la sincérité mais il signe en fin de compte un film bien tiède et presque agaçant qui échoue strictement à tous les niveaux.

Nous ressortons de là avec la désagréable impression d'avoir regardé un mauvais épisode de sitcom long de deux heures dont une et demie de trop. Parce qu'il essaie de mêler les larmes aux rires, The Big Sick veut ratisser le plus large possible et ça se voit. Une romcom indé de plus à foutre à la poubelle. 

The Big Sick de Michael Showalter avec Kumail Nanjiani et Zoe Kazan (2017)

Doubles vies

Ce film est une série de coups de couteau dans les reins. Ffft ffft ffft. Dans les films, c'est ce bruit qu'on entend quand les types lardent de coups de lames le flanc gauche d'un Liam Neeson impassible. Comment quelqu'un d'aussi brillant que Olivier Assayas, auteur de livres aussi indispensables que Présences ou L'Encyclopédie des farces et attrapes au cinéma, a pu pondre un film aussi indigne. Comment une bible de Gutenberg humaine du cinéma, qui peut te sortir sans réflexion un top 1000 des plus beaux plans d'ouverture du cinéma (à sa place, si on nous demandait, mais vu qu'on ne nous demande pas, on ne se fait pas prier, on citerait volontiers En quatrième vitesse d'Aldrich, Délivrance de John Boorman, Eyes Wide Shut de Kubrick ou encore la fameuse toupie d'Inception), comment un crack de la bobine celluloïd, qui la veille au soir nous pondait encore un Personal Shopper de haute facture, peut à ce point se fourvoyer dans un film inique, dont le plan d'ouverture annonce la couleur, puisqu'il s'agit de la porte d'entrée d'un cloaque parisien qui s'ouvre sur un Guillaume Canet souffreteux, blafard, mesquin et déjà merdeux.

Le film est un condensé de clichés, de phrases toutes faites, d'idées reçues, de méditations de trépanés archi-datées et ringardes sur l'avenir du petit monde de l'édition et les livres numériques, tout ça récité platement et avec un ridicule consommé par une troupe de tocards imbuvables et niais qui nous assènent leurs pensées débiles sur la politique et le monde comme il va avec un sérieux de pape dans un enchaînement sans fin et monotone d'élucubrations toutes plus fétides et idiotes les unes que les autres. Et comme si la situation n'était pas déjà assez embarrassante, tous ces guignols ont entre eux des histoires de cul nauséabondes et souvent improbables, en tout cas franchement inintéressantes, encore plus quand elles concernent le tocard en chef campé par Guillaume Canet qui se croit crédible en patron d'une maison d'édition découvrant, en 2019, que le numérique commence à prendre un petit essor, bien aidé dans sa découverte de l'eau tiède par son assistante/orifice Christa Theret, qui enfile les perles pendant tout le film. RIP Christa Theret, qui a explosé dans LOL et qui depuis n'est pas parvenue à recoller les morceaux, MDR.

Le fond du fond est atteint dans cette scène de conversation (la douze millième du film qui en compte bien onze mille) sur une petite terrasse en bord de mer, dans un décor digne des Petits mouchoirs, où les pires sbires de la bande, le quatuor infernal constitué de Canet, Macaigne, Hamzaoui (Hamzanon de notre côté) et Binoche évoquent la possibilité de tirer un film du dernier torche-cul de Vincent MacCain, et mentionnent pour le premier rôle nulle autre que Juliette Binoche. Ce qui donne cette farce et attrape métafilmique savoureuse où Juliette Binoche affirme, sourire aux lèvres, qu'elle croit pouvoir obtenir le numéro de téléphone de Juliette Binoche. A ce moment-là, on est persuadé qu'Olivier Assayas a trouvé une nouvelle énergie fossile, un combustible qui reposait là, sous nos yeux, tel Cthulhu dans son antre de R'lyeh. De quoi embraser le monde. A la toute fin de ce supplice, que l'on regarde de la première à la dernière minute totalement médusé, tel un lapin dans les phares d'une jeep conduite par un forcené, en se demandant comment un cinéaste de la trempe d'Assayas a pu commettre un tel packaging de fientes, Nora Hamzaoui (c'est toujours Hamzaniet) annonce fringante à un compagnon d'infortune qu'elle attend le divin enfant. Deux solutions : soit on aura droit à un Doubles vies², ce qui sera impossible à gérer, soit ça donnera un énième épisode de Chucky, la poupée de sang.

Doubles vies d'Olivier Assayas avec Guillaume Canet, Juliette Binoche, Vincent Macaigne et Nora Hamzaoui (2019)

Cutterhead

Sur le papier, le premier long métrage de Rasmus Kloster Bro s'apparente à l'un de ces survivals bas du front, visant les sensations fortes avant tout, dont le pitch tiendrait sur un post-it. Jugez du peu : suite à un incendie souterrain survenu sur le chantier de construction d'un métro, une femme se retrouve coincée dans le sas pressurisé d'une foreuse en compagnie de deux ouvriers. Sauf qu'à l'écran, le cinéaste danois parvient à en faire quelque chose de très intéressant et d'immédiatement captivant. C'est même peu de le dire : nous sommes bien vite littéralement cramponnés à notre fauteuil. On nous plonge d'emblée dans des sous-sols en construction mal éclairés, au milieu des machines bruyantes et des tuyauteries fumantes, aux côtés de quelques travailleurs habitués à de telles conditions. Immersif, le film s'annonce comme une expérience sensorielle éprouvante dès sa première image, l'effondrement progressif d'un mur sous l'effet d'un tunnelier (cutterhead signifie en anglais "tête de fraisage / de coupe").

On suit de près cette femme d'abord animée d'un enthousiasme sincère qui a vraisemblablement été envoyée sur les lieux par sa direction pour peaufiner la communication au sujet de la nouvelle ligne souterraine : elle a pour objectif de la présenter comme un parfait exemple de collaboration entre pays européens. Elle interroge donc les ouvriers qu'elle croise, en leur posant des questions très orientées. Rasmus Kloster Bro plante plutôt finement le décor et l'on se dit assez tôt que son film visera plus haut que prévu. Avant même que la situation ne dégénère, on saisit en effet que ce qui se présente a priori comme un thriller claustrophobique efficace, qui flirtera presque avec l'horreur, est aussi une métaphore politique bien sentie sur l'Europe et l'immigration. L'action se déroule à Copenhague mais cela pourrait être n'importe où sur le continent, et les deux autres ouvriers coincés avec la jeune femme sont un jeune réfugié érythréen et un mineur croate expérimenté. Les rapports de domination et l'hypocrisie de chacun sont intelligemment mis en exergue par les circonstances et ce contexte spécifique. C'est à saluer, car un tel film donne aujourd'hui trop rarement matière à penser.

Quelques bémols cependant : il y a bien un léger ventre mou, problème récurrent et quasi inévitable de ces thrillers linéaires dont l'intensité ne peut que retomber par moments. Soulignons toutefois que le cinéaste ne gère pas si mal ces temps faibles et le rythme de l'ensemble, on ne sort jamais de son huis clos étouffant. Nous pourrons aussi regretter une petite facilité dans la caractérisation de l'un des trois personnages, le jeune érythréen, qui a vite fait de déballer son histoire de famille. Plus désagréable sans doute sont ces quelques angles de prises de vue maladroits, utilisés pour nous faire prendre conscience de l’exiguïté des lieux, dont nous aurions pu nous passer. Mais ces réserves ne pèsent pas bien lourd face à la très bonne impression globale que laisse ce film hautement anxiogène dont on comprend sans problème qu'il ait pu faire le buzz dans tous les festivals où il est passé. 

Le réalisateur joue habilement avec nos peurs fondamentales, nous plongeant régulièrement dans le noir complet tandis que ses personnages sont finalement menacés d'être enterrés vivant. Il met nos sens à rude épreuve, notamment grâce à un travail précis sur le son, en particulier quand il s'agira de nous faire ressentir les pressurisations et dépressurisations successives. Son film est une expérience physique intense, où l'on ressentira sans difficulté la soif, la faim ou les températures excessives subies par le malheureux trio. Sans qu'il ait besoin d'être explicitement indiqué puis rappelé, on saisit tout de suite qu'un compte à rebours au terme indéfini s'est enclenché au moment de l'accident. Ce suspense nous tiendra en haleine jusqu'au bout. Dans ses dernières minutes, Cutterhead tend vers l'abstraction lors d'un long passage éprouvant : le réalisateur ose alors quelque chose d'intéressant en abandonnant temporairement le réalisme auquel il collait jusque-là pour mieux nous rappeler le fond de son propos. On en ressort groggy. 

Cutterhead (Exit) de Rasmus Kloster Bro avec Christine Sønderris, Kresimir Mikic et Samson Semere (2018)

Le Meilleur reste à venir

Nous partageons aujourd'hui avec vous ce billet d'humeur de l'un de nos plus proches collaborateurs parisiens, qui a bien des raisons d'être à cran en cette semaine de mobilisation.

Existe-t-il plus désagréable que cette affiche ignoble qui décore tous les bus parisiens cette semaine ? Cette complicité virile et hilare entre deux mâles blancs soixantenaires, un harceleur de femmes et un gros goujat, dont on est censés être les complices ; ce check digne d’une fin de chanson à un concert des Enfoirés, les cravates dénouées, tellement "à la cool" ; ce contre-jour si "joli" et cette typo manuscrite dégueulasse avec, immense, ce titre optimiste et agressif alors que les potes de ces mecs-là sont en train de nous la mettre bien profond et, enfin, les noms maudits de ce duo de réalisateurs infernal déjà responsable de l’affreux Prénom... Allez crever !

Le Meilleur reste à venir d'Alexandre de La Patellière et Matthieu Delaporte avec Patrick Bruel et Fabrice Luchini (2019)

Séduis-moi si tu peux !

Séduis-moi si tu peux !, version française fort peu inspirée de Long Shot, est une énième comédie romantique sur le thème du mariage de la carpe et du lapin. Tout oppose Seth Rogen et Charlize Theron. Le premier est un journaliste politique réputé pour son franc-parler, aux « idées » bien affirmées, laid comme un pou et toujours vêtu d'un k-way de très mauvais goût. Il a été demandé à Seth Rogen de venir sur le plateau au naturel, sans oublier sa casquette préférée. La deuxième est la Secrétaire d’État des États-Unis, pragmatique et ambitieuse, très appréciée des médias pour sa classe et sa beauté, elle est promise à une grande carrière dans un monde dont elle connaît bien les rouages. Les deux individus vont être amenés à collaborer, la politicienne souhaitant utiliser les « talents » d'écriture et l'humour du journaleux (notez les guillemets quand j'évoque le personnage campé par Rogen). Ce dernier, sous le charme de celle qui s'avère être son ancienne baby-sitter, qui a provoqué chez lui ses premiers émois, ne peut refuser la proposition malgré des divergences de points de vue indéniables.

Pour fonctionner, une telle comédie romantique a nécessairement besoin de s'appuyer sur un duo central sympathique et attachant, joué par des acteurs drôles et charmants, autour desquels doivent de préférence venir graviter en renfort des personnages secondaires truculents. Dans un exercice plutôt inhabituel pour elle, Charlize Theron s'en tire avec les honneurs. L'actrice est clairement le plus grand atout du film, elle s'avère assez à l'aise dans le registre comique, son charme et son élégance au beau fixe permettent un contraste saisissant avec l'allure disgracieuse de Seth Rogen. Celui-ci est le maillon faible mais, soyons honnête, le problème vient davantage de son personnage que de l'acteur lui-même, auquel nous étions tout à fait prêt à donner une nouvelle chance, malgré une diction, une voix et une présence toujours très problématiques.

Comment, en effet, prendre en sympathie ce type qui, soucieux de « remettre à jour » cette politicienne trop absorbée par sa vie professionnelle pour s'accorder une minute à elle, lui fait l'apologie des films de l'univers Marvel et de la série Game of Thrones ? Il lui impose ensuite des séances de rattrapage et nous les voyons tous deux, affalés devant la télé, passer de grands moments de complicité et de joie lors de soirées inoubliables, tour à tour sous le choc des morts surprenantes de la fameuse série et sur le cul devant les scènes post-génériques à gerber des films sus-cités. Pour un blogueur ciné, ces scènes-là sont rudes à encaisser. Rappelons que Seth Rogen est supposé incarner un journaliste cultivé, une fine plume au regard pertinent et acéré sur la société (j'ai arrêté avec les guillemets car il y en aurait trop). Déjà, c'est dur à croire, mais si en plus on nous le montre prendre son pied devant de tels trous noirs artistiques, c'est compliqué... D'autant plus que le film cherche sans doute très bassement à flatter ainsi le spectateur lambda, rassuré de voir qu'il mate les mêmes merdes que ces personnages pathétiques. C'est bien facile tout ça.

Autour de Theron et Rogen, dont l'alchimie n'est pas franchement évidente, les personnages secondaires ne rattrapent pas le coup. Ils sont beaucoup trop fabriqués et creux, à l'image d'un Andy Serkis lamentable grimé en vieil homme d'affaire véreux. Ce cabotin de fonds verts et d'heures de maquillage intensif semble condamné à se travestir ridiculement, comme si la seule prouesse d'être de nouveau méconnaissable était censée suffire et impressionner la galerie. A mes yeux, Andy Serkis est juste l'un des acteurs les plus tristes du monde. Quant à O'Shea Jackson Jr., dans le rôle du meilleur ami de Seth Rogen, il laisse parfois entrevoir les mêmes dons comiques que son papa Ice Cube, grande attraction des 21 Jump Street, mais il finit le plus souvent par nous saouler. Surtout, il est au cœur de la scène la plus crispante du lot : celle où Rogen se rend compte que son ami de toujours est un Républicain pur jus et fier de l'être, convaincu que ses valeurs lui ont permis de réussir sa vie (self-made-man même pas âgé d'une trentaine d'années, il est déjà à la tête d'une start-up qui règne sur les derniers étages d'un gratte-ciel de Manhattan...). Rogen découvre alors que ce sont ces mêmes valeurs, insidieusement inculquées par son pote, grosso mierdo fondées sur la confiance en soi et la foi en la réussite individuelle, qui lui ont permis de conquérir Charlize Theron, c'est-à-dire d'accomplir le plus grand exploit de sa vie. Tout cela est assez déprimant en plus d'être d'un esprit douteux.

Ce film beaucoup trop long qui bouffe à tous les râteliers finit par échouer à tous les étages. On ne rit pratiquement jamais, si ce n'est lors d'une chute (littéralement, une chute : quelqu'un qui tombe...), et on ne ressent aucun plaisir à voir Charlize Theron et Seth Rogen se rapprocher, se fâcher, prendre leur distance, pour se rabibocher enfin, Séduis-moi si tu peux ! passant bien par toutes les étapes obligées de ce genre de films à la formule frelatée. La pseudo satire du monde politique timidement ébauchée en toile de fond est bien trop grotesque et absurde pour avoir quelque chose d'un tant soit peu pertinent. Mais admettons qu'il est à présent difficile, pour les américains, d'imaginer un président plus grotesque que le guignol bien réel qui est à la tête de leur pays. Alors que le rythme bien calculé de ce produit à consommation rapide nous a d'abord permis d'accrocher facilement, il s'essouffle peu à peu, s'achevant laborieusement au bout de 2h05 de tergiversations. On termine à cran.

Séduis-moi si tu peux ! de Jonathan Levine avec Charlize Theron et Seth Rogen (2019)