La Fille de Monaco

La fille de Monac' c'est le Sliver français. Première phrase de la critique j'annonce la couleur. Sliver c'est ce film repère du cinéma Hollywoodien du milieu des années 90, avec un Tom Berenger à peine sorti de "rehab", un Alec Baldwin tâchant bec et ongles de se faire un prénom au sein de la seconde plus grande famille du cinéma après celle des Lumière, et surtout, surtout, une Sharon Stone dont le seul nom en tête d'affiche suffisait à faire dresser bien des queues. Qui ne s'est pas... Qui ne s'est jamais ? Même les malheureux qui n'auront eu internet qu'en 2005, à une époque où Mariah Carey et Christina Aguilera étaient les nouvelles coqueluches des gros queutards, même ceux-là auront tapé le nom de cette star sur Google Image. Dans Sliver, Sharon Stonee jouait un peu sa propre vie. Celle d'une pute endimanchée, filmée sous toutes les coutures, obsession des voyeurs, absolument sexuelle et toute entière tendue vers le moment crucial d'un irrémédiable dévoilement de ses charmes. Tous ces éléments faisaient de Sliver un petit bonheur d'analyse filmique, trop souvent rencardé au triste rang de porno tout public ou de thriller érotique façon Hollywood Nights.

Côté côte d'azur, la star n'est pas tout à fait de même calibre. Les coups d'équerre d'un visage à la régularité Pythagorienne, la perfection d'un corps bâti selon le nombre d'or, ont cédé leur place à une cagole qu'une chaîne cryptée depuis longtemps dans le coma a dû nous infliger chaque soir afin qu'elle puisse se constituer une petite tribu de fans belliqueux et peu exigeants, qui se contentaient de voir dans leur télé une meuf un poil plus bonne que celle qui leur tendait leur gamelle pleine de pâtes trop cuites. Que dire de ce visage ingrat et vulgaire tout droit sorti des cauchemars de Jérôme Bosch, Géronimo de son vrai prénom ? Que dire de cette bouche certes pratique pour déboucher les chiottes mais gênante quand il s'agit d'en faire sortir des dialogues intelligibles ? Que dire de ces seins, prestement dévoilés, et sans le moindre effet, qui m'évoquent un de ces vieux bouts de peau qui grandissent sous mes aisselles et entre mes couilles et que je dois à mon vieux père qui en est caffi... Je t'aime pa' ! Mais putain ces boules de graisse m'empoisonnent la vie. Que dire donc, de cette hystérique grossière, sans talent et jamais drôle, qui trouve dans ce remake à peine déguisé d'une grosse daube américaine l'occasion d'étaler ses dents mal rangées sur grand écran et de "faire son trou", comme Michel Denisot, encore cerné comme un vieux bélier Charmois. Que dire de cette énergumène au visage jambonneux sinon qu'elle fit avec ce film ses premiers (et derniers) pas dans l'auto-fiction en interprétant fièrement la miss météo qu'elle restera à tout jamais, grimaçant au gré des moues rebelles d'un visage approximatif, remâchant toujours ses propres dents comme une brebis galeuse. C'est le personnage d'une pure connasse qui négocie son cul plat moyennant finance ou promotion sociale. Certains parleront peut-être de courage ou d'éclair de lucidité, voire de tabous brisés ou de féminisme couillonné sans scrupule. D'autres, plus misanthropes, parleront du triste aveu d'une cagole. Je me contenterai quant à moi d'évoquer l'affreux cas de ce film, remake non-reconnu et moribond d'un doublon américain qui forçait le respect.

Côté clients, les deux pôles opposés : l'avocat chétif, grisonnant, baveux et plein aux as ; l'agent de sécurité bronzé, sportif et analphabète doté d'un vié gros comme le poing. C'est ainsi que le fessier rebondi et travaillé en salle de muscu d'un Baldwin motivé à mort pour "faire la diff" avec son frère est troqué contre le goût surdopé du verbe d'un Pat' Luchini sous viagra. Par ailleurs un Roshdy Zem souffreteux a manifestement bien du mal à nous faire tirer un trait sur le Tom Berenger de Platoon.

Rien, jamais rien ni personne ne nous fera oublier cette scène où, en plein restaurant, Sharon Stone se retrouvait sans culotte et laissait Alec Baldwin chatouiller son intimité du bout de ses pompes avant d'y enfiler sa gambas jusqu'à la garde dans un plan séquence de tous les diables, aussi érotique en son début que gerbant en sa fin, d'abord émoustillant puis très vite traumatisant. Jamais rien ni personne ne nous fera oublier cette scène où Baldwin "attrape" Sharon Stone contre un des piliers de son vaste appartement, immense instant de l'Histoire du cinématographe où Philip Noyce parvint littéralement à "faire pleurer la pierre" tandis qu'un gros pilier de béton chialait à l'image dans le dos d'une actrice survoltée trop occupée à marabouter son partenaire de jeu, ce diable de Baldwin, dans la position dite du "crabe".

La Fille de Monaco d'Anne Fontaine avec Fabrice Luchini, Roshdy Zem et Louise Bourgoin (2008)

Brüno

A sa sortie ce film a révulsé Télérama. Il n'y a pourtant pas véritablement de quoi crier au scandale, le film est trop creux pour ça. Mais je comprends tout à fait que ça puisse énormément choquer. En fait le film affiche trop ses ambitions et se réclame trop ouvertement choquant pour l'être vraiment. C'est très vulgaire, souvent répugnant, outrancier au possible, obscène à chaque instant, grotesque et extrêmement lourd de bout en bout. C'est comme une série de sketchs rarement réussis qu'on aurait difficilement mis bout à bout en créant une sorte d'histoire sans intérêt et prévisible comme fil conducteur, menée par un personnage auquel on ne croit pas une seconde. Ceci dit, il y a quelques rares trouvailles plutôt drôles, alors je ne dirai pas que le film est complètement mauvais, mais elles sont tellement noyées au milieu du reste qu'une fois le film fini, il est quasiment impossible de se les remémorer. Au final, ça ressemble au film qu'aurait pu faire un gamin tout excité à l'idée d'oser le pire. Le faux documentaire qu'était Borat servait peut-être à prendre conscience de certaines choses. Mais Brüno, dont le côté "documentaire" n'est jamais crédible, ne vient nous révéler strictement rien de neuf ou d'un tant soit peu intéressant.

Baron Cohen me reste tout de même sympathique, entre autres parce qu'il n'a pas le physique ni la filmographie des frères Coen. Mais il me semble que ce type-là a vraiment besoin d'être canalisé par un autre pour être réellement drôle, comme il parvient à l'être dans Talladega Nights, en compagnie de Will Ferell, comique beaucoup plus drôle et artiste rudement plus doué et complet que lui. Je n'ai rien dit à propos de la fin du film, qui est un clip prétexte à un défilé laborieux de "stars ayant accepté de tourner avec Cohen" vraiment ridicule (Bono, Snoop Doggy Dog, Elton John, etc, il ne manquait plus que Voulzy et on avait la troupe des Enfoirés au grand complet). Ah, et je termine en vous disant que dans la salle de cinoche, quasiment tout le monde riait extrêmement fort (c'est peut-être la première fois que je vois un film dans ces conditions, et pourtant j'ai vu Rosetta sur grande lucarne), et je me disais qu'il devait s'agir d'un public fait de fans conquis d'avance. Autrement je ne comprends rien et je laisse aux scientifiques et autres scientologues le soin de se pencher sur ce fascinant phénomène qu'est l'envie irrépressible de rire et sa communicabilité pandémique. Je suis grippé A.


Brüno de Larry Charles avec Sasha Baron Cohen (2009)

The Fall

J'ai maté The Fall. Pas en entier. Seulement la moitié du premier cd (il est sorti en deux cds). Soit environ 28mn. Mais j'en ai vu assez pour vous en toucher deux mots. C'est un film de Tarsem. Le type n'a pas de prénom, pour vous donner une idée de l'individu. Auparavant, il avait déjà réalisé The Cell. Un film psyché où J-Lo trimballe son énorme boulard à l'intérieur même de la tronche d'un psychopathe. Tarsem trouvait dans un tel script l'occasion rêvée de déployer tout son talent d'inventeur d'univers glauques, puisque Jude Lo évoluait dans les pensées du tueur taré, et non pas dans le monde réel. Soixante pour cent des images du film étaient le fruit d'effets spéciaux chiadés par des informaticiens véreux, les quarante pour cent restant n'étaient autres que l'immense cul de Jennifer J-Lo Pétrée, celui-là même qui fit tourner de l'œil le plus gros des anacondas quelques années auparavant, et qui raidit facilement ma petite couleuvre. Je reviens donc à The Fall, avec lequel Tartem Singh a trouvé un nouveau prétexte pour inventer un univers visuel de derrière les fagots. Je précise aussi que j'ai mis le film en espérant voir la version allemande de The Fall, aka La Chute, avec Hitler, pour redonner une chance au bonhomme, et j'étais donc bien surpris parce que ça n'a rien à voir.

Premier panneau du générique "David Fincher & Spike Jonze present". Alors là j'ai eu les chocottes d'emblée ! David Fincher, c'est Se7en Up, c'est Kodac, c'est Pjanic Room, c'est Benjamin l'acnéeux. Plein de films qui m'ont foutu les boules. Et Spike Jonze, si je ne me trompe pas, c'est 25th Hour, He Gat Gomme, Inside Men, Malcolm XY, Did the Right thing, Sammer of Sum, etc. Pas mal de films que j'ai pas vus, donc.

The Fall, c'est le récit d'un cul-de-jatte qui raconte des histoires à une petite fille plâtrée, dans un hosto où ils s'emmerdent tous les deux : lui, suffisamment pour inventer ses histoires débiles et elle suffisamment pour les écouter sans broncher. Ce à quoi Tarsem n'a pas pensé, c'est que le spectateur n'est pas sous perfusions à l'hôpital et n'est donc pas dans le même état de léthargie profonde que les personnages du film. Cette histoire qu'il lui raconte se déroule dans un monde fantastique où cinq héros (à la lettre) ayant chacun leurs pouvoirs et leurs spécialités vont d'épreuve en épreuve avec pour objectif de tuer un gros méchant nommé Odieux. Soit dit en passant on se prend de pitié pour ce personnage condamné dès sa naissance par des parents inconscients dans le choix du prénom de leur enfant à être un gros enculé de première. Je suis pas vraiment rentré dans le truc, donc j'ai vite coupé court. Apparemment, d'après ce que j'en lis sur le net, j'ai loupé un truc, mais j'ai du mal à le croire.

C'est un Tarsem majeur disent les critiques, mais j'imagine qu'ils disent juste ça parce que c'est le premier film qu'il réalise depuis qu'il a soufflé sa 18ième bougie. Tarsem semble avoir trouvé un second filon (après celui du blaze de dessinateur de bédé) en se cloisonnant dans la minuscule sous-catégorie des titres en quatre lettres se finissant par deux L. Après The Cell et The Fall, misons tout sur un éventuel "The Ball", qui nous ramènerait aux joies puériles et simples comme bonjour du ballon rond, de la balle au prisonnier, de quoi me ravir puisque je suis un gosse de la balle.


The Fall de Tarsem Singh avec Lee Pace (2006)

Welcome

Après le succès phénoménal de Je vais bien ne t’en fais pas, Philippe Lioret avait suffisamment d’argent pour se permettre une incursion dans le petit milieu du brûlot social. On le croyait cousin germain de Christophe Baratier et de Cédric Klapish, il est aussi le pupille malade de Ken Loach et Stephen Frears. Lioret crèche donc au sein d’une famille de cinéastes dont les dvds formeraient une dvdéothèque infernale, un aller sans retour direction l’enfer sociétal, Machiavel aux manettes du 7ème Art, ou si Dante avait tourné. Il en faut deux grosses pour s’opposer à Sarko. Catherine Corsini en a deux belles, qu’elle a déballées dans Partir sans que personne ne l’ait demandé. On se rappelle aussi d’Emmanuelle Cuau et son portrait au vitriol de la société ultra sécuritaire actuelle dans son Très bien merci de sobre facture. Au tour de Lioret de nous honorer de l’exhibition façon Patrice Loko* de ses deux roustons de contestataire. Et ce pour les besoins d’un film qui s’attarde sur le triste sort des réfugiés. Ces sans-papiers auxquels le gouvernement Sarkozy refuse le droit d'asile. Ici je place une pique revancharde au gouvernement en place. Libre à moi. Et bientôt plus puisqu'on va en taule pour moins que ça. Encore une fois c’est un film légèrement cafardeux. Est-ce utile de réaliser de tels films grisâtres, véritables tracts militants sur la situation nauséabonde d'un pays taiseux, dont la qualité intrinsèque est à mettre en doute ? On peut voir le bon côté des choses et se dire que Lioret est le Voltaire de l'an 2000. Cette pensée me fout toutefois le cafard. Bref on retombe dans le débat classique de la place de l'artiste dans la société et de son contrepoids face aux dérives de la pensée unique, débat souvent soulevé puis calfeutré par le fabuleux Taddéï tous les soirs sur la 3 dans une émission qui reste miraculeusement à l'antenne grâce à la paire de guiboles unique de son présentateur vedette.

Comment se libérer de la pesanteur d'un sujet aussi critique et moribond que celui dont Lioret fait ici son cheval de bataille ? Peut-être en nous attardant, une fois n'est pas coutume, sur l'affiche du film, resucée inavouée et inavouable du poster mythique de Danse avec les loups, où un Kevin Costner alors à l'apogée de son charisme rentre-dedans fléchit les genoux pour humer son propre fumet au-devant d'un troupeau de bisons fendant le paysage.

Peut-être aussi en plaçant un mot sur cet acteur, Vincent Lindon, le monument aux morts du cinéma français, surnommé "ma petite entreprise" par tous les producteurs qui voient en lui un acteur ultra bankable, le bestiau d'interview télévisées, adulé de Taddéï, amant illégitime de Daphné Roulier et parrain d'Anne de Petrini, ce mystérieux bonhomme et immense acteur qui perd tous ses tics quand il joue la comédie et qui m’en fait gagner tout autant, tandis que je me transforme en dynamo humaine devant ses facéties. Quelle idée de faire jouer un maître nageur à un comédien qui a manifestement peur de l’eau.

J'ai quand même vite arrêté Weldom. Je tenais pas à me « faire les veines » ce soir.

*Le footeux qui sortait ses burnes à l’entrée des vestiaires et qui est encore en procès pour ça.


Welcome de Philippe Lioret avec Vincent Lindon et Audrey Dana (2009)

Agathe Cléry

Le nouveau Chatiliez, toujours un événement !... dont on se tient le plus éloigné possible. C’est comme la taxe d’habitation. On la reçoit chaque année, on sait qu’elle est là, on sait qu’il faudra y passer tôt ou tard, mais on repousse... ou bien on choisit de faire face. Eddy Chatiliez, rien à voir avec Murphy Barclay ou Eddy Mitchell, est avant tout « connu » pour ses bandes annonces. Un peu comme Hitchcock, toutes proportions gardées, puisque Hitch avait le don de faire des films à côté de ses BA. Chatiliez a une idée par an et chaque année il la crame dans sa bande annonce, prétexte à un film qu’il n’assume jamais. Il supplie systématiquement ses producteurs de pouvoir signer ses œuvres "Alan Smithee", le pseudonyme américain des réalisateurs éhontés par leur propre labeur. Ce qui distingue un bon Chantiliez d’un mauvais Chatiliez, c’est que le bon dure trois minutes et il annonce le mauvais, qui dure deux plombes. Ce qui rapproche Hitchcock et Chatiliez, c’est l’art de réaliser une bande annonce qui ne soit pas tirée du film. Tout passe par une savante méthode de promotion. Pour Hitchcock il s’agissait par exemple de présenter en personne les décors, les protagonistes et l’intrigue de ses films. Chez Chatiliez, il s’agit plutôt de l’art de tromper et de poser des gros lapins puisque ses bandes annonces sont en réalité des sortes de courts métrages qui valent pour eux-mêmes et qui n’ont finalement pas grand chose à voir avec le film qu’ils sont censés introduire.

Tout le monde s’attendait à voir une Valérie Lemercier raciste se réveiller noire au petit matin, comme les acteurs pornos de Machos qui s’éveillaient femmes après s’être endormis toréadors. En réalité le bronzage du personnage reste très longtemps agricole avant de se décider à tourner au vinaigre. Et pour couvrir cette longue heure de mue Chatiliez se fait plaisir en dirigeant une comédie musicale effrayante sous prétexte de dénoncer en pas chassés et points chaussons, en ballerines et tutus, le triste petit monde de l’entreprise que Le Bolloc’h et Yahn Solo épinglaient mieux que lui en une minute de temps dans Thé ou Café. Mais la supercherie était à prévoir, car c’est là que tient toute la singularité de la science inexacte de Chatiliez. De même que David Fincher est plus connu pour ses génériques faits à la palette graphique que pour ses thrillers répugnants ; de même que "Pipo" Inzaghi est célèbre pour ses coups francs obtenus à la sauvage plutôt que pour ses buts hideux de renard des surfaces, Etienne Chatiliez est réputé pour ses bandes annonces mensongères et ô combien accrocheuses plutôt que pour son cinéma de papa.



Rappelez-vous de la bande annonce de Tatie Danielle, qui mettait en scène une jeune pucelle aux prises avec sa tata, là où le film s’enlisait en réalité dans les coins et recoins d’une Isabelle nantie de gras, tutrice d’une vieillarde belliqueuse. Souvenez-vous de la bande annonce de Au milieu coule un long fleuve tranquille de la vie, qui nous annonçait un Brad Pitt au faîte de sa beauté aux prises avec un espadon pêché à la mouche dans une adaptation enfin fidèle du Moby Dick de Melville. Sans oublier la bande annonce de Tanguy où Chatiliez nous faisait saliver avec une scène de BangBros dont Sabine Azéma était la principale récipiendaire. Des armées de cinquantenaires étaient allés voir Le boner est dans le pré grâce à la même astuce. Plus de dix ans plus tard, la sauce ne prend plus : un porno appelé Tanguy, ça ne tient pas debout, Titi Chantilly.


Agathe Cléry d'Etienne Chatiliez avec Valérie Lemercier et Anthony Cavanagh (2009)

L'An 1 : des débuts difficiles

On connaissait le goût d’Harold Ramis pour les pitchs de poche. Quid d’Un jour sans fin, où un homme revit le même jour sans fin. Quid de Multiplicity, où un homme se démultiplie pour pouvoir prendre son épouse en gang bang. Quid de Mafia Blues où un parrain de la Mafia a le blues. Quid d’Endiablié, où un homme vend son âme au Diable (sous les traits de cette salope de Liz Hurley) pour exaucer dix vœux à la con. Autant de films pour autant d’idées uniques estramassées sur une heure et demi de film. Dans L'An 1 l’audace et l’ambition sont au rendez-vous. Harold Ramis nous situe à l’origine de tout. C’est le passage de la préhistoire à l’histoire, en faisant un détour chez Mathusalem. Avec son humour et sa dérision habituelle, Harold Ramis met en scène le premier assassinat de l’histoire (Caïn tuant son frère Abel) comme on ne l’avait jamais imaginé. Comme on aurait voulu ne jamais le voir. Year One, ou quand la Bible est mise en scène par le plus grand des hérétiques ; ou quand les saintes écritures servent de papier cul à un quinquagénaire en manque d’idée. Quand les Robins des bois de RRRrrrr tournent avec le Jean-Jacques Annaud sous acides de Sa majesté Minor, ça donne un film qui coûte trois bras et qui fait deux entrées sur le sol Américain, signées Jack Black Jack et Michael Cera Nevada, pour le plus gros flop du XXIème siècle.

L'An 1 : des débuts difficiles de Harold Ramis avec Jack Black et Michael Cera (2009)

Away We Go

Dès le premier plan Sam Mendosa nous situe dans son univers de prédilection : la banlieue. Une fois de plus il va déblatérer sur les banlieusards, les amerlocs moyens. Il veut filmer les gens du « milieu ». La mélasse de la classe moyenne. C’est la médiocrité banale du quotidien des gens normaux qu’il veut filmer. Les deux vedettes du film ont probablement été choisies parce qu’elles n’en sont pas. Lui avec sa barbe de trois mois, ses cheveux foutraques, ses binocles vissées au blair et ses chemises fripées, il nous ressemble étrangement. Mendès espère qu’on s’identifiera à mort à ses personnages de ratés ordinaires, mais on se contente de les mépriser et de les prendre en grippe. Dans la première scène, le jeune homme fait un cunnilingus à sa femme, à peine suggéré par des bruits de succion doublés en post-prod par un Sam Mendès survolté lors du mixage. Dans cette séquence d’ouverture Sam Mendès nous rappelle qu’il est le cinéaste Américain non seulement des banlieusards mais aussi de la sexualité assumée, et il nous rappelle avec sa lourdeur légendaire. Sans oublier une de ses marques de fabrique, la zique indé, qui dégouline du film, comme pour nous rappeler d’impérativement acheter la BO.

A la quinzième minute de film j’enfourne enfin mes lunettes et je me décide à lire les sous-titres. A partir de là j’ai eu le privilège de comprendre la situation, mais aussi d’enfin piger les meilleures vannes de Mendès, et j’ai chialé. Pour tâcher de nous divertir dans le marasme de ce couple lamentable à la recherche d’un coin idyllique pour enfanter, Mendès déploie sous nos yeux révulsés une galerie de personnages hauts en couleur, hystériques et loufoques, en un mot comme en cent complètement improbables et imbuvables, typiques de ce cinéma américain qui se veut « décalé ». Parmi eux, un Jeff Daniels égal à lui-même, qui aura la langue à jamais collée à un tire-fesse, lui qui porte le lourd fardeau de ces acteurs piégés dans une scène culte. Il réussit cependant à mettre sa touche personnelle dans ce rôle en rendant son personnage encore plus con que celui qu’il campait dans Dumb & Dumber, comme lorsqu’il hésite pendant dix plombes sur le mot « indigène ».

Le film se résume en une sorte de road trip (on se refait pas tout à fait, Mendès reste collé à l’asphalte, le working title étant "Away we go on the road again"), où un couple de minables mal lunés et mal léchés (tout ce qui est "mal" peut les caractériser), croise un défilé de tarés aux abois comme l’Amérique en compte des millions selon Mendès. On passe de la mère qui qualifie ses enfants de freaks, de débiles et de "lesbiennes" (une insulte chez elle...) en leur présence pour se fendre la gueule à cent à l'heure sur leurs dos, à un couple de sectaires hippies à la sexualité outrancière, et c’est là qu’apparaît la star du film (46ème minute), aka Maggie Gyllenhaal. Dans une scène déjà mythique, celui qui incarne son compagnon (Peter Sarsgaard) se surprend à posséder quatre bourses (aucune ne provenant du généreux Crous) sous son missile anti-personnel. Mais ces personnages secondaires, c’est autant de pets dans la brume. Et il y a deux gros gorilles en tête d’affiche qui cherchent tout le film le secret d’une vie équilibrée et d’une famille heureuse. Et on a envie de les prier d’arrêter d’être des gros cons dix minutes, pour s’épargner la peine d’aller chercher des réponses dans un film de Mendès.

C’est le deuxième Mendes que je vois en deux jours et si le dicton « Jamais deux sans trois » dit vrai, alors demain je serai mort. J’ai pas arrêté d’appuyer sur « avance rapide », mes doigts fuselés glissant sur ma zapette, et je ne m’étais pas autant servi de mes crayons depuis la dernière fois que j'ai falsifié ma fiche d'impôts pour gruger la CAF.


Away We Go de Sam Mendes avec John Krasinski et Maya Rudolph (2009)

Les Noces rebelles

Revolutionary Road (traduit à la lettre "Les Noces Rebelles" en version française) est le nouveau petit bijou de Sam Mendès-France. En tête d'affiche, les acteurs du procès qui oppose aujourd'hui encore le milliardaire James Cameron au millionnaire Sam Mendès. Qui de eux deux aura eu le premier la sage idée de réunir Leonardo Di Caprio et Kate Winslet pour former un couple vedette ? La chronologie (pas loin de dix ans d'écart) donne raison à James Cameron, appuyé par peu ou prou six milliards de personnes, soit les spectateurs du Titanic, témoins oculaires de ce procès diabolique, qui fera date puisque c'est le premier dans l'histoire à réunir la planète entière à la barre des témoins. Qui en effet n'a pas vu Twitanic ? Si une seule personne ne l'a pas vu, c'est à elle et à elle seule que doit revenir le droit de critiquer le film de Samuel Lee Mendès. Tous les autres sont de parti pris dans cette affaire. Tous les autres seront corrompus par le souvenir ému de l'œuvre phare de James Cameroon, que le sournois Mendès s'autorise à raviver pour faire des entrées.

C'est toute la communauté hispanique américaine qui est divisée dans ce procès où deux de ses principaux représentants s'affrontent à couteaux tirés : Samsonit Mendès et Cameron "Diaz". Mais au-delà de ce coup marketing savamment orchestré par Sammy "Bouajila" Mendès - désormais l'auteur du plus grand procès qui aura embrasé les États-Unis et qui fera jurisprudence dans le domaine des "droits d'auteur" autour de la question suivante : "La date peut-elle jouer le rôle de facteur décisionnel dans une affaire ou dix ans d'écart viennent donner raison à un des partis du procès ?" - au-delà de ce coup d'État promotionnel donc, rien ne transpire de l'œuvre de Mendès, si ce n'est la sueur artificielle de Kate Wetslip. A ses côtés, un Leonardo DiCaprio éternellement adulescent (prochainement à l'affiche du Petit Nicolas dans le rôle titre), dont le jeu d'acteur fait des bulles une fois dirigé par le petit-fils de l'homme politique français le plus mémorable de la IVème République. Les acteurs ne sont pas aidés par des costumes qui tiennent debout tout seuls, ni par un troupeau de trompettes de jazz qui couvrent leurs voix pour faire années 50, et encore moins par un cinéaste plus enjoué à l'idée de filmer le vieux tacot d'époque qu'il aura loué avec son argent de poche que les acteurs assis dedans.

Quid de Sam Mendes, l'artiste, qui fait un blocage sur le bitume puisque depuis son coup d'éclat avec American Beauty il a pu se consacrer entièrement à sa première passion : la chaussée. Sur la route il y a deux façons d'avancer, en marche avant ou en marche arrière, et Sam Mendes s'échine à nous le rappeler ici par une suite gerbante de flashback et autres flashforward à en perdre la boussole. Après Road to Perdition et Revolutionary Road, mon petit doigt m'a dit que le prochain film de Sam Mendes sera son plus long métrage et qu'il concernera la fameuse Road 66. A une lettre près il nous aurait pondu un biopic de Toad, l'homme-gland amant de la princesse Daisy et méga pote de Luigi et Koopas Troopas dans la série des Mario Kart.


Les Noces rebelles de Sam Mendes avec Leonardo Di Caprio et Kate Winslet (2009)

Les Regrets

La grande question posée par Cédric Kahn est la suivante : peut-on être heureux au présent sans faire table rase du passée. Et le cinéaste répond : "non". Chacun aura sa réponse. Le film m'a beaucoup déçu. J'attendais mieux de Cédric Kahn après Feux rouges, qui n'était certes pas un grand chef-d'œuvre mais qui réservait son lot de bonnes surprises et faisait preuve de pas mal d'originalité et de finesse. Jusqu'au premier quart des Regrets, j'étais emporté plus ou moins par la même envie de voir plus loin. Je retrouvais un peu du talent de Kahn pour donner une sacrée envie par de petits riens (l'intelligence du cadre, la création d'un temps singulier, telle direction d'acteur ou tel mouvement de caméra), pour susciter le désir de voir le plan suivant et celui d'après. Il y avait bien cette histoire avec la mère mourante du héros qui faisait un peu chier (combien de films français s’appesantissent ces dernières années de tels personnages séniles et souffreteux sans rien tirer de bon sur la question de la filiation ou du deuil), mais rien de trop embarrassant. Et puis ces scènes pesantes étaient vite balayées par les véritables séquences motrices du récit. Mais arrive le personnage interprété par Philippe Katerine qui vient perturber les relations des deux personnages principaux et le spectateur en même temps, lequel faisait alors presque partie du couple formé par les protagonistes. Le film n'en finira pas de s'égarer dans des méandres narratifs ennuyeux et dans un immobilisme (va-viens-va-viens) soporifique, avec répétition des scènes de passion sexuelle, de culpabilité, de retrouvailles et de séparations de quais de gare en stations services et d'hôtels en hôtels.

De quoi largement décrocher. Et personnellement j'ai été aidé dans ce décrochage malheureux par des personnages auxquels je ne croyais pas, ou dont je me foutais éperdument. Leur amour passé, éternel et évident, l'est peut-être pour eux (et ça n'est pas un mal que le cinéaste nous évite un laborieux retour en arrière psychologique), mais cet amour-là n'était pas si évident que ça pour moi. J'ai eu du mal à saisir cette évidence en voyant ce couple se contenter de faire marche arrière puis marche avant et de nouveau marche arrière mais encore marche avant, avec un coït brutal et rien d'autre (ou si peu) à chaque embrayage. Sans parler d'Yvan Attal qui passe le film à remettre sa mèche folle en arrière, et Valéria Bruni-Tedeschi, à tout jamais coincée dans le même rôle, qu'une petite armée de coiffeurs et maquilleurs fantômes ont aidée à entrer dans celui-ci comme dans les autres : blafarde, hagarde et mal coiffée, pour qu'on y croie, et on n'y croit que trop. Le seul personnage auquel on serait tenté de s'intéresser, avec lequel on serait même prêt à compatir s'il n'était pas là pour servir la soupe aux deux principaux, c'est bien celui de la femme d'Yvan Attal, quittée pour une tarée mal attifée, et qui fera tous les sacrifices pour tâcher d'attirer les derniers regards de son abruti de mari.



L'idée était intéressante mais à force de nous égarer, de nous détacher de ces pauvres personnages et de s'enliser dans une mise en scène gauche et cliché, contre quoi Kahn semblait sobrement se battre dans son précédent film et dans le premier quart d'heure de celui-ci, Les Regrets, beaucoup trop longs, commencent rapidement à beaucoup, beaucoup ennuyer. Reste que le film est parfois intéressant ou touchant, et que c'est déjà pas si mal dans le cinéma français populaire actuel. Mais il l'est beaucoup trop peu pour compter en-dehors de ce type de considération.


Les Regrets de Cédric Kahn avec Yvan Attal, Valéria Bruni-Tedeschi et Arly Jover (2009)

Lol (Laughing Out Loud)

Une bonne amie m'a raconté qu'elle a visité une ville en Chine qui a été littéralement rebâtie par-dessus une autre ville. En fait c'est une ville qui a été ensevelie sous une autre ville, construite par-dessus la première. Toute une ville Chypriote, sa mairie, sa poste, sa maison de la presse, sa boulangerie, bref toute la ville a été ni plus ni moins condamnée, mise en quarantaine, ensevelie et refermée sur elle-même, pour être refondée sur sa propre sépulture. C'est à Paris qu'on a fait ça je crois. Dans un quartier de Paris. Dans le 13ème. Dans le XIIIème arrondissement. Quand la peste était la plus forte. Celle-là même qu'on a renommée grippe Espagnole (non pas parce que c'est d'abord en Espagne qu'on en a parlé mais parce que tout ce qui vient d'Espagne colle la chiasse), qui a décimé le continent Américain via le commerce triangulaire et le Canal de Suez. C'est à cette occasion que tout un quartier de Paris, Montmartre je crois, a été rayé de la carte, enterré à tout jamais, pour se re-créer ex-nihilo sur son propre toit. On a fait ça pour emmurer vivants les lépreux de Paris, forcés de survivre là, sans doute pas longtemps, dans le cellier puant d'une ville nouvelle qui grandissait sur leur séant. Depuis, à des fins touristiques, on a réouvert ces catacombes, véritables souterrains pestilentiels renfermant un passé inavouable aujourd'hui devenu, tel le pétrole, richesse des profondeurs. Ainsi ces malades du sida font à présent sourire les passants.

Tout ça pour dire que c'est exactement cette histoire qu'il faudrait peut-être raconter à Lisa Azuelos, qui a réalisé cette horreur de film, pour que ça lui donne l'idée sinon de s'emmurer chez elle du moins de se mettre au vert quelque temps. Cette réalisatrice suscite tant de rancœur qu'il serait légitime de consacrer une vie à lui demander d'arrêter de faire ce qu'elle fait. J'ai pas aimé ce film. Je hais ce film, je le hais. Je conchie ton film Azuelos, et ça veut bien dire "enduire quelque chose de merde". Lisa Azuelos, si tu me lis, et que ton film passe dans le sud, n'y va pas, évite avants-premières et tapis rouge. Oh c'est pas des menaces. Je me contenterai de te poser quelques questions sur ton film. Les mêmes que je pourrais poser à Danièle Thompson. Thompson ? C'est avec un P ou pas Tomson ? Avec un gros pet dans sa gueule de vieillarde peroxydée à mort. Il me faudrait avoir autant de vies qu'un chat, c'est à dire pas moins de sept, pour ne pas toutes les consacrer à vous maudire. Après avoir réalisé ce péché capital de film (cette merde), Lizarazuelos avait déclaré, pour se défendre d'une critique qui pointait du doigt cette pléiade de personnages tous plus riches les uns que les autres et cloîtrés dans des appartements pleins d'or et de came de 8000 mètres carrés, dans ces fontaines à lait et autres cuisines amérindiennes, qu'elle ne faisait rien de plus que filmer ce qu'elle connaissait, sa vie, ce qui lui paraissait naturel et évident. Avec des propos pareils tu ne te feras pas que des amis Lizo Azuelas ! Si j'avais la moitié de ce que tu gagnes en une journée à me promener de plateau en plateau, je dépenserais toute cette fortune pour m'acheter un sandwich et une tarte à la crème, afin de te proposer une bouchée de l'un pour mieux te placarder l'autre sur le crane dans la foulée.

Juste pour terminer la critique : J'ai rien à perdre. Mon nom est Rémusa, rédacteur en chef de ce blog en bois, étudiant à l'Université de Metz, boursier échelon 0 au CNOUS de Toulouse. Père d'un fils assassiné, époux d'une femme assassinée et j'aurai ma vengeance dans cette vie ou dans l'autre.


Lol (Laughing Out Loud) de Lisa Azuelos avec Sophie Marceau et Christa Theret (2009)

Partir

Cette critique c'est David contre Goliath, et je suis dans le rôle de celui qui se fait marrave par la bête. A part le jeu de mot pourri qui consiste à dire au début de la séance: "T'as bien pris ton billet ? Parce qu'on voit Partir", le film ne permet jamais de sourire. C'est une descente aux enfers en un seul acte et trois personnages, dont une femme, qui est le départ de feu de l'histoire. Cette femme c'est Kristin Scott Thomas. Autrement dit le fantôme anglophone le plus célèbre du cinéma Français. On sait tous qu'elle est actrice mais de là à citer sa filmographie... Elle a bien explosé en vol avec Le Patient anglais (traduction douteuse de "The English Patient" en VO), film pourtant célèbre dont on peut dire que les deux auteurs de ce blog sont "passés à travers". Même depuis la mort d'Anthony Minghella, pas moyen qu'on s'y intéresse. Et pourtant son décès a été autant médiatisé que celui de Thierry Gilardi, les deux hommes ayant eu le même pouvoir d'incursion dans le petit cocon familial français. Christine Scott Toujours c'est les yeux cernés de bleu les plus connus du cinéma.

Dans ce film elle est ballotée entre la froideur d'un Lillois mesquin aux yeux dans les mains (comme dans Le Labyrinthe de Pan) sous les traits ingrats d'Yvan Attal, et la chaleur d'un Sergi Lopez en grande forme, fort de 100 kilos de testostérone enfouis sous le couvercle d'une carrosserie d'acier à peine voilée par un t-shirt Quetchua trop grand pour lui. On n'a pas suffisamment dit à quel point cet acteur Franco-Espagnol est l'éternel espoir du cinéma tantôt ibérique tantôt franchouillard. Entre parenthèses, Sergi Lopez annonçait récemment dans une interview accordée à Télérama qu'il met un point d'honneur à accomplir la moitié de sa carrière de chaque côté des Pyrénées dans un affreux grand écart qui nous laisse imaginer son churro chatouillé par le plus haut sommet de ce massif montagneux, à savoir le Pic d'Aneto. Que dire de plus sur Attal qui n'ait jamais été dit... Cet homme-anguille, capable de se faufiler dans n'importe quelle production française à jamais marquée de son sceau. Si, la question qui se pose, et qui occupe actuellement plusieurs laboratoires scientifiques en France, détrônant le mystère de la théorie du Big Bang, c'est la suivante : Quel film a bien pu faire "exploser" Yvan Attal ? En tout cas dans ce film, il est out standing.

 Ce film, pour en revenir au film, m'a fait un effet rare. Voir ce film fut pour moi l'équivalent d'une journée passée aux urgences, au Pôle Emploi, en hôpital psychiatrique, en prison, en maison de retraite, ou devant un match de l'équipe de France de Domenech, soit dans les endroits les plus déprimants du monde. Ça m'a foutu un cafard de tous les diables. J'ai pensé à toutes les choses qui pourraient aller mal dans ma vie. J'ai eu le sentiment que mon existence était sans issue. J'allais méga bien avant d'entrer dans la salle de cinéma, en sortant j'avais un bourdon gros comme ça. On imagine que Catherine Corsini a vécu cette histoire ou presque et qu'elle a eu envie de nous faire ressentir le mal qu'elle a pu traverser. Sauf que cette souffrance est condensée sur une heure et demi de film, soit l'équivalent d'une liqueur forte à avaler tout rond. Je me demande encore pourquoi la réalisatrice a jugé bon d'insérer dans son récit morbide un gag Chaplinesque voué à précipiter l'idylle adultérine du film, quand Sergi Lopez essaie d'arrêter une bagnole lancée en pente du plat des pieds.

Ce film nous apprendra aussi qu'on passe à l'acte (de tuer) plus facilement qu'on ne le croit : un ronflement de trop et le coup est parti. Il nous apprend encore que certains ménages français possèdent un fusil d'assaut logiquement rangé dans la penderie. Il nous apprend tant de choses, et à la fois si peu quand il nous serine que sans fric on ne fait rien. Selon Corsini, si l'argent ne fait pas le bonheur, il nous tient quand même par les couilles. Peut-être... Comment croire à cette romance utopique où les deux amants ne partagent rien d'autre que du sexe, du sexe, rien que du cul ? Tout est à l'écran. Comment croire à ce chirurgien - joué donc par le phénomène Attal - qui n'aura pas pensé à s'exercer sur sa propre tronche incendiée par le temps et des forceps un peu maladroits à la sortie du vagin de Serge Gainsbourg (je confonds tout mais je m'en fous), et qui n'a d'autre idée quand sa femme veut le quitter que de la séquestrer chez lui ?

 Que dire de la mise en scène de Catherine Corsini, dite "sobre et élégante" par de nombreux critiques. Si l'adjectif "sobre" s'applique à tous les films tournés en pilote automatique mode "drunk & stunted", alors Partir rentre pile poil dans cette catégorie. Si élégant veut dire filmer des grues et des parkings souterrains en plan fixe, alors ouais mention bien à Corsini. Le seul moment du film, lors de la stonsba entre Attal et Scott Thomas, où il se passe semble-t-il un truc, qu'on qualifiera de faux-raccords sans avoir l'air d'y toucher, ça reste une pauvre idée qui consiste à faire un parallélisme, rien moins que ça, entre le fond et la forme...

Bref ce film m'a foutu un giga bourdon, un capharnaüm insensé. Dans ce film, la femme doit tuer le mari impuissant pour s'épanouir sexuellement. Mais c'est oublier que le fric compte un peu, car un gros zgeg dans une cabane en bois, passé un certain âge, ça ne suffit pas. Et dans ce scénario diabolique, Corsini place le contexte de la crise via une chiée d'allusions plus ou moins finaudes à Sarkozy, ça va d'un banquier qui lui ressemble étrangement à un gros autocollant "Sarko" sur un bulldozer planté au milieu du décor. En gros ce film c'est le mythe de Méduse revu et corrigé par Corsini.


Partir de Catherine Corsini avec Yvan Attal, Kristin Scott Thomas et Sergi Lopez (2009)