30 juin 2021

Come True

Faut-il avoir bien peu d'amour propre pour conclure son film de cette façon ? Un mouvement de caméra laborieux qui aboutit misérablement sur l'écran d'un portable posé sur l'abattant d'une cuvette de toilettes... C'est pourtant ça, le dernier plan, le one perfect shot final, de Come True : un portable sur des chiottes. L'affichage du téléphone nous révèle un message sibyllin qui vient parachever le twist ridicule et très lourdement amené de ce tout petit film de genre, SF mêlée d'horreur, à l'allure peut-être clinquante mais en réalité tout juste bon à se faire remarquer par des âmes charitables au milieu des programmations médiocres de festivals de cinéma fantastique. On aurait pourtant aimé s'enthousiasmer pour le deuxième long métrage du canadien Anthony Scott Burns qui, sur le papier, nous propose une plongée dans les tréfonds de nos cauchemars et donc de notre inconscient : on y suit une adolescente en fugue (Julia Sarah Stone, très stone), aux nuits agitées, qui trouve refuge chez une équipe de scientifiques menant des expériences sur le sommeil...



 
Dès l'apparition du titre, qui rappelle le superbe générique d'ouverture d'Halloween III, et pendant les premières minutes, j'y ai cru, très sincèrement. Quand il ne filme pas des teuchios anonymes, Anthony Scott Burns est capable de nous intriguer, de torcher quelques jolis plans, de développer un semblant d'atmosphère. A grands renforts de nappes synthétiques, qu'il a en partie composées lui-même et qui nous rappellent quelques bandes sons bien connues, il cherche visiblement à nous choper, à mettre en place quelque chose, une ambiance. C'est assez facile, en fait, et cela n'accouche jamais de grand chose hélas. On s'accroche en vain à l'esthétique plutôt soignée de l'ensemble, reconnaissant à Anthony Scott Burns, également chef opérateur et monteur, un certain savoir-faire qui fait de son film une œuvre jamais désagréable à la vue et aux oreilles (à condition d'aimer le bleu et les sonorités électroniques). Mais ça ne suffit pas... On relève peut-être du savoir-faire mais l'imagination du cinéaste apparaît défaillante et limitée : son premier long était un remake et celui-ci n'en fera jamais l'objet. Malgré le laisser-passer onirique, il s'enfonce dans un imaginaire somme toute assez dérisoire, évoquant davantage les récents slashers inspirés de meme internet (Slender Man), des clips darks ou autres cinématiques de jeux vidéos horrifiques que les plus belles heures du cinéma fantastique. On se dit que le réalisateur, seul à la barre, aurait peut-être gagné à être accompagné par un pote raisonnable, là pour le recadrer, pour lui tapoter sur l'épaule gentiment et lui dire "tututut, ça, c'est pas la peine". Hélas...



 
Et puis le film s'étire. S'agitent autour d'écrans cathodiques vintages et de concepts fumeux des personnages antipathiques et inintéressants, la palme revenant au nerd en chef incarné par le très fade Landon Liboiron, tandis que le cinéaste multiplie les scènes qui ne servent à rien si ce n'est à dépasser la case "moyen métrage". Dans ce marasme, on relève également les références, les clins d’œil plus ou moins appuyés, glissés là pour flatter le spectateur et lui dire "hey, on aime les mêmes choses". On remarque très bien l'affiche de Terminator placardée dans l'un des bureaux des nerds, on identifie sans souci La Nuit des morts-vivants de Romero que va voir l'héroïne au cinéma, il est vivement conseillé à notre ado rebelle la lecture de Philip K. Dick, "ses concepts vont te retourner le cerveau", et enfin, les personnages se surnomment en référence au Rocky Horror Picture Show, accompagné d'un "t'es une fille brillante de connaître ça". En réalité, on pense surtout à un simili Drive, avec ce romantisme urbain maniéré, toujours épaulé d'une musique électronique, signée Electric Youth, déjà présent sur la tracklist du film de Nicolas Winding Refn (je ne suis pas un hater de Drive, mais ce rapprochement n'est ici pas un compliment, tant il convoque surtout une certaine vacuité et un esthétisme facile commun aux deux titres). Le scénario de Come True avance, tout doucement, sans l'assurance flippante d'un somnambule, mais avec la gaucherie d'un ado mal réveillé, mal luné. Il nous perd donc en cours de route, avant de finir droit dans le mur, avec une révélation qui finit de nous convaincre de la vacuité terrible de l'ensemble. Un smartphone sur l'abattant des WC, c'est donc ce qui nous attend à la toute fin des très longues 105 minutes que dure Come True, une bien triste récompense pour tous les curieux encore à la recherche des dernières pépites du cinéma de genre. 
 
 
Come True (Bad Dreams) d'Anthony Scott Burns avec Julia Sarah Stone et Landon Liboiron (2020)

27 juin 2021

Mimic

Dieu sait que le film qu'on s'était fait dans notre tronche en entendant 800 fois la bande-annonce à la radio était mille fois plus audacieux et foisonnant que la "proposition de cinéma" de Guillermo Del Toro. Vous tiquez peut-être sur le "à la radio" ? Bah ouais, à l'époque vos deux serviteurs avaient une dizaine d'années chacun et partageaient encore leur chambre avec leurs frères aînés, et leur unique source de distraction était un poste radio émetteur. C'était comme ça quand on grandissait dans le trou de balle du monde avant l'avènement d'internet. Et à l'époque, la bande-annonce-radio faisait des ravages, surtout avec un titre pareil : "Mimic". Stallone faisait toutes les voix off des bandes-annonces radio en ce temps-là. A chaque fois qu'il répétait "Mimic !", on avait un afflux nerveux et la poutre en bois qui tenait le toit craquait d'un coup sec. Le pitch aussi foutait l'eau à la bouche, au moins autant que la tagline de l'affiche française : "Ils nous imitent. Ils nous ressemblent. Mais ils peuvent pas nous blairer". C'est ce que nos darons répètent à longueur de journée à tous leurs voisins à propos de nous.




NY, début des années 90, des insectes propagent une gastro terrible qui se répand dans les couloirs nauséabonds du métro. Pour l'arrêter, une scientifique a l'idée saugrenue de créer des cloportes-briquets afin qu'à coups répétés de pets-flammes les usagers du métropolitain eux-mêmes désinfectent les sous-sols de la ville. Quelques années plus tard les cloportes-briquets, véritables OGM issus du cerveau malade de la scientifique campée par Mira Sorvino (carrière arrêtée net grâce à ce film booster) ont bien grandi. Mieux, ils ont développé l'art du mimétisme, commun à bien des cloportes comme Laurent Gerra ou Nicolas Canteloup. "La prochaine étape de leur évolution, c'est notre extinction". Stallone finissait son annonce sur cette phrase qui avait pour effet de nous coller le bonbon au papier et de nous rendre extrêmement anxieux quant à l'avenir.
 
 

 
A quoi reconnaît-on que c'est un Guillermo Del Toro ? D'abord parce qu'il le renie à longueur d'interview. Ce qui a l'effet paradoxal de nous rappeler l'existence de ce con de film. Mimic regorge aussi d'une petite paire de semi-promesses non-tenues, comme bien des œuvres du maestro, lequel met plus d'inspiration dans ses tacos et dans la déco fumeuse de sa chambre que dans ses films, qu'il renie les uns après les autres, à quelques exceptions près. Bon à savoir : la VF est une splendeur. Notamment grâce au personnage du flic interprété par le trop rare (il est mort... ce film, véritable tremplin pour ses acteurs, a eu sa peau) et si irritable Charles S. Dutton qui, remettant le couvert cinq ans après ALIEN³, affirmait volontiers qu'il aurait aimé faire autre chose de ses journées que, nous citons, "poursuivre ces putains d'insectes à la con, ces menthe-religieuses de merde". Pour boucler la boucle nous vous conseillons donc sincèrement de regarder le film à la radio.


Mimic de Guillermo del Toro avec Mira Sorvino et Charles S. Dutton (1997)

24 juin 2021

Minari

Il y a de quoi craindre le pire à la vue de cette affiche baveuse et de l'étiquetage Sundance, où le film a tout raflé l'an passé, si bien mis en évidence. Mais, ragaillardi par mes dernières excursions dans ce que l'on nous présente comme la crème actuelle du cinéma indépendant américain (Sound of Metal, The Nest, Nomadland...), je me suis tout de même risqué devant Minari, cinquième long métrage du cinéaste coréano-américain Lee Isaac Chung, le premier qui lui permet d'éclore aux yeux du grand public. Et je ne le regrette pas car il n'y a vraiment rien de bien méchant là-dedans, au contraire. Exercice autobiographique empreint de simplicité, nappé d'une joliesse légère et sensée, jamais agaçante ou forcée, Minari nous dépeint une période décisive de la vie familiale du réalisateur. Au début des années 80, alors qu'il est âgé de huit ans, sa petite famille emménage en Arkansas sous l'impulsion de son père, optimiste et ambitieux, qui veut faire de leur modeste bungalow planté au milieu des champs une ferme lucrative et pionnière. L'idée est de cultiver les fruits et légumes de leur pays d'origine, la Corée, pour répondre à la demande croissante des immigrés asiatiques, toujours plus nombreux. L'opération s'avèrera bien plus compliquée que prévu et le couple, déjà vacillant, formé par les parents du cinéaste, sera mis à rude épreuve. L'arrivée de la grand-mère maternelle va à la fois pimenter et adoucir l'ambiance au sein du foyer...


 
 
Encore sous l'influence trompeuse de cette affiche rose bonbon et des images dégoulinantes de lumière et de bonheur qui accompagnent le film sur internet, je m'attendais à une effusion de bons sentiments, persuadé que tout cela allait aboutir, sans surprise, au succès final de l'entreprise du père, que quelques embûches inévitables, une à une surmontées, ne rendraient que plus triomphal. Jusqu'au bout, je m'attendais à le voir arroser toute l'Amérique de sa superbe marchandise exotique. En bref, je croyais ferme en un gros feel good movie, en une success story éclatante... Tu parles ! Le choses se passent si mal que l'on se demande bien comment cela va se terminer. C'est l'occasion pour le cinéaste d'illustrer les valeurs familiales en nous rappelant que, face aux difficultés, mieux vaut se serrer les coudes, former une famille solidaire, rester un couple uni... Le propos est simple mais Lee Isaac Chung a le mérite de le poser sans lourdeur, avec une sincérité évidente.


 
 
"To all the grandmas" peut-on lire, si l'on est suffisamment attentif, lorsque déroule le générique de fin. En nous dépeignant ce personnage de grand-mère espiègle et aimante qui joue un rôle clé, dans cette étape cruciale de leur existence, pour maintenir l'union familiale, Minari est en effet un fort bel hommage de Lee Isaac Chung à son aïeule, vue à travers les yeux de l'enfant qu'il était alors. Il nous montre le revirement qu'il a lentement opéré : d'abord réticent à la venue de sa mamie et longtemps méfiant à son égard, il finit par l'adopter et l'aimer définitivement. A travers cette évolution, le réalisateur lucide dresse le portrait juste d'un enfant de cet âge-là. Très mignon en apparence (le petit est à croquer, il faut l'avouer), il peut parfois se comporter comme un sacré sale gosse auquel on collerait volontiers une paire de baffes. En bref, c'est un vrai petit garçon, souvent égoïste, volontiers roublard, capable de douceurs ou de quelques crasses mais, en fin de compte, assez attachant.


 
 
Le cinéaste se souvient... Il n'a pas oublié que, enfant, quand il découvrait, à son réveil, avoir fait pipi au lit, il retirait piteusement le slip kangourou qui lui faisait office de pyjama, puis le planquait sous son matelas, pour que sa mère ne se doute de rien... et finisse par découvrir cela bien plus tard. Il se rappelle aussi que, suite à l'emménagement de sa grand-mère, celle-ci avait convaincu sa mère de lui faire ingurgiter chaque matin une mixture noirâtre et peu ragoûtante supposée le revigorer, lui qui avait un souffle au cœur et la santé fragile. Comme il détestait cela, il a un jour remplacé ladite mixture par sa propre urine, avant de tendre aimablement le gobelet à sa mamie... Quelques affaires de pipi dont il n'y a pas forcément de quoi être fier. Mais, si on a un peu de talent, on peut raconter ces choses-là joliment, avec sensibilité. Minari est un récit d'enfance fait d'anecdotes, de détails, de saynètes, largement basés sur les propres souvenirs du cinéaste et dont on ne doute guère de l'authenticité. Certaines vignettes, quelques moments, plus ou moins fugaces, toujours très simplement capturés, sentent le vécu et résonnent facilement en l'enfant que l'on a tous été : cela participe pour beaucoup à leur espèce de charme discret, qui opère sans fracas mais opère bel et bien. Le film terminé, je me suis surpris à constater que je n'avais pas passé un mauvais moment devant cette parenthèse agréablement partagée. Les apparences sont donc trompeuses, car Minari n'a guère les travers du bulldozer indé tant redouté, mais a de vraies qualités, modestes mais louables. C'est un film agréable, sincère et, ma foi, assez délicat.
 
 
Minari de Lee Isaac Chung avec Steven Yeun, Han Re-Yi, Yoon Yeo-jeong et Alan S. Kim (2020)

22 juin 2021

Freaky

Après Happy Birthdead, où une jeune femme victime d'un serial killer se réveillait continuellement le matin du jour de sa mort, Christopher Landon confirme sa spécialisation dans le film d'horreur à pitch, ultra référencé et à tendance comique et parodique. Dans Freaky, le corps et l'esprit d'une jeune fille et d'un tueur en série se retrouvent interchangés, ce qui permet un enchaînement de situations où l'humour fonctionne plus ou moins, une accumulation de clins d’œil aux classiques du genre, et bien sûr quelques scènes véritablement gores à l'imagination débridée. Un programme mené tambour battant par Christopher Landon, en 90 petites minutes qui passent à toute vitesse et ne prennent jamais le risque de nous ennuyer, quitte à être un peu trop bruyantes et parfois fatigantes... C'est qu'il faut de préférence voir ça entre amis aux rires faciles, quelques amuse-gueules à portée de main, l'ambiance au beau fixe. Bref, l'idéal pour un Halloween rigolard et décontracté.



 
Si Happy Birthdead était une déclinaison horrifique d'Un Jour sans fin, Freaky est donc une version slasher de Freaky Friday (son titre de travail a d'ailleurs longtemps été Freaky Friday the 13th). Quand le tueur en question est incarné par Vince Vaughn, cela offre quelques moments assez amusants. L'acteur, au physique imposant qui se prête si bien à l'exercice, se montre en effet très convaincant quand il doit jouer l'adolescente, il semble s'en donner à cœur joie. On retiendra surtout une scène de confession amoureuse, sur la banquette arrière d'une voiture, où la permutation des corps est propice à l’ambiguïté sexuelle et au décalage comique. Dans le rôle de la lycéenne devenue boogeyman, Kathryn Newton a un peu moins à jouer, puisque le tueur est du genre mutique et minimaliste, à la Jason Voorhes ou Michael Myers, mais la jeune et charmante actrice se montre quasiment au niveau de son partenaire. Vaughn et Newton ont l'air de beaucoup s'amuser, parfois peut-être un peu plus que nous autres spectateurs... Ils sont en tout cas les deux plus gros atouts de ce petit film plutôt divertissant, qui convainc davantage quand il joue à fond la carte de l'humour, avec aussi quelques personnages secondaires sympatoches, que lorsqu'il nous propose des scènes trop sanguinolentes, dont la violence surprend, et entasse machinalement les références au genre, comme pour nous rappeler que, on a beau plaisanter, on connaît nos classiques chez Blumhouse.


Freaky de Christopher Landon avec Vince Vaughn, Kathryn Newton et Misha Osherovich (2020)

19 juin 2021

Sound of Metal

Vu son sujet, un batteur de metal ex-toxicomane perd progressivement l'audition et ne peut plus assurer le duo qu'il forme avec sa petite-amie, mettant ainsi son couple en péril, on pourrait très légitimement craindre que le premier long métrage de Darius Marder nous colle un cafard monstrueux, en se vautrant sans vergogne dans le pathos, et qu'il nous foute à cran rapidos, en cédant à la complaisance facile. Le fait est que Darius Marder aborde de manière très frontale ce bon gros drame qui tache, il nous invite même à le vivre aux premières loges, en nous mettant régulièrement à la place de ce jeune batteur qui devient sourd, dans sa tête. Le cinéaste s'appuie pour cela sur un travail aussi simple que précis mené sur le son et son montage, pour un résultat véritablement saisissant qui ne peut guère laisser indifférent. Dans des conditions idoines, nul doute que ce film, qui fut très chaleureusement accueilli outre-Atlantique, doit pouvoir se vivre comme une drôle d'expérience.
 
 
 
 
Malgré cette volonté immersive et un scénario qui ne ménage personne, Darius Marder évite, parfois de justesse, de tomber dans les lourdeurs larmoyantes. Il peut également compter sur un acteur irréprochable, Riz Ahmed, très juste, crédible, son regard intense et ses yeux immenses nous touchent souvent en plein cœur. On veut voir son personnage effectuer les bons choix, remonter la pente, ce qui implique nécessairement qu'il fasse le deuil de sa vie passée et qu'il accepte sa nouvelle condition. A ce propos, Sound of Metal se présente d'ailleurs comme un beau film sur le handicap et son acceptation. Avec tous ces atouts en poche, on comprend aisément que l'Académie des Oscars n'y ait pas été insensible (deux statuettes remportées sur six nominations lors de la dernière cérémonie et, pour une fois, ces récompenses n'étaient, à mon sens, pas volées). 
 
 
 
 
Sound of Metal trouve son origine dans un documentaire inachevé de Derek Cianfrance, un cinéaste proche de Darius Marder puisque celui-ci avait co-signé le scénario de l'à-moitié réussi The Place Beyond the Pines. C'est Cianfrance lui-même qui aurait demandé à Marder de reprendre le projet, d'en faire son propre film. On y retrouve effectivement une approche et un style similaires, sans doute modelés par des influences communes, puisque l'on pense inévitablement aux prestigieux modèles du cinéma américain des années 70. Pas encore convaincu par le réalisateur de Blue Valentine, dont je n'ai toutefois pas vu la série I Know This Much Is True mais dont les excès antérieurs m'avaient laissé de côté, j'ai l'impression, face à ce premier film enthousiasmant, que le poulain a su trouver un équilibre que son mentor n'a jamais fait qu'effleurer.
 
 
 
 
En guise de conclusion, je me dois d'ajouter en toute honnêteté que si ce film m'a pas mal remué, c'est aussi parce qu'il aborde l'une de mes plus grandes peurs : la perte de l'audition. En effet, en raison d'une hypersensibilité de mes écoutilles, je suis un accro aux coton-tiges et autres ustensiles susceptibles de s'insérer dans mes conduits et d'aller chatouiller mes tympans (avec un goût particulier pour ces bouchons de stylos Bic qui courent les rues au bureau). C'est une véritable addiction, qui me conduit souvent chez l'ORL, pour des otites régulières. Si je parvenais à décrocher, cette peur deviendrait totalement infondée. Cela ne dépend que de moi. Mais mes oreilles sont une zone si érogène que j'ai parfois du mal, sur les coups de 21h-22h, à résister à l'appel du coton-tige... D'ailleurs, je m'en étais tapé un bon juste avant de lancer ce film. Peut-être suis-je désormais vacciné ?
 
 
Sound of Metal de Darius Marder avec Riz Ahmed, Olivia Cooke et Paul Raci (2020)

15 juin 2021

L'un des nôtres

Costner, Lane. Deux des plus grands sex-symbols des années 80 et 90 de nouveau réunis dans un même film suite au camouflet qu'avait constitué le misérable Man of Steel du triste Zack Snyder, où ils incarnaient les parents adoptifs de Superbeman. Il y avait une revanche à prendre et les cinéphiles du monde entier n'en rêvaient même plus ! C'est pourtant ce que nous propose Let Him Go, aka L'Un des nôtres, le quatrième film du discret réalisateur américain Thomas Bezucha, adaptation du roman éponyme de Larry Watson, écrivain dont les récits, publiés en France chez Gallmeister (maison d'édition dont nous apprécions particulièrement le travail et que nous saluons dès que possible), sont toujours fermement ancrés dans le Middle West. L'histoire est à la fois très simple et plutôt originale, elle donne la part belle à un couple d'un âge avancé, campé par les deux stars. Une paire d'années après la mort accidentelle de leur fils unique, Lane et Costner voient leur ex-belle fille s'éloigner d'eux, emportant avec elle son gamin, leur petit-fils donc, pour grossir les rangs de la famille peu recommandable de son nouveau mari, dans un bled paumé du Dakota du Nord. Ni une, ni deux, ils décident de quitter leur ranch du Montana pour aller récupérer le gosse, qu'ils estiment entre de très mauvaises mains, et le ramener, par la force s'il le faut, chez eux.
 
 
 
 
Jamais désagréable à suivre, Let Him Go est une sorte de néo-western pour retraités, de thriller très pépère, qui doit beaucoup, si ce n'est presque tout, à son duo d'acteurs principaux. Diane Lane et Kevin Costner sont crédibles en grands-parents sur les dents, ils dégagent une complicité silencieuse, principalement faite de regards et de petits gestes qui en disent longs, une alchimie discrète et naturelle qui les rend assez attachants. On a aucun mal à les accompagner tout au long de leur mission dont le seul objectif est de retrouver leur petit-fils. Diane Lane est le personnage fort du couple, la véritable meneuse, son mari taiseux tient le volant, certes, mais c'est sous son impulsion qu'ils prennent la route à travers le Midwest, c'est elle qui est aux commandes. L'actrice propose une prestation nuancée, assez riche, tour à tour forte ou fragile, vulnérable et résolue. Elle se tire avec les honneurs de scènes parfois casse-gueule et elle parvient à conférer une profondeur appréciable à son rôle.




En bon aficionado de Kevin Costner, quel plaisir de le revoir enfin dans un film qui tient à peu près la route ! Malgré une coupe en brosse regrettable qui nuit à son charisme naturel et vient renforcer le caractère trop figé de son visage empreint d'une certaine lassitude, Kev nous livre sa meilleure performance depuis un sacré bail. Il a ses quelques moments de grâce où il éclabousse une scène a priori anodine de son talent hors norme. Je pense tout particulièrement à un plan précis qui fait suite à un dîner romantique au restaurant durant lequel son personnage, encore éperdument amoureux de sa femme, a sorti le grand jeu : Thomas Bezucha nous montre les deux tourtereaux rentrer à leur hôtel, marchant sur le trottoir et, pour faire tenir dans le cadre leurs mains fermement empoignées l'une à l'autre, le réalisateur opte pour un plan américain. Son choix s'avère malavisé. Il ignore (ou se voile peut-être la face !) que ce que nous remarquons alors est surtout le très imposant service trois pièces de celui qui jadis dansait avec les loups et dont le jean moulant ne laisse ici rien à l'imagination. Nous ne voyons que ça ! Quelques secondes plus tard, nouveau coup d'éclat : nous retrouvons un Kevin Costner pensif face au miroir de la salle de bains, il s'apprête à se mettre au lit quand sa femme vient lui faire des petits bisous dans le cou. Il n'en faut pas moins pour réveiller la bête. "Don't start what you can't finish..." lui dit-il alors avec sa voix de cowboy, nous rappelant que malgré son âge avancé, sa testostérone reste en ébullition. Mais la dame continue... Jusqu'à ce que Costner se retourne brutalement et gobe littéralement le visage de sa partenaire ! L'un des temps forts du film, à n'en pas douter. Il y a d'autres éclairs de Costner. Ils sont parfois furtifs, comme cet étonnant coup de pied latéral que notre homme, très diminué et alité, tente d'administrer à un shérif ripoux qui vient l'embêter dans sa chambre d'hôpital, un move très surprenant, peut-être improvisé. Ces moments précieux m'amènent à recommander chaudement ce film à tous les fans, encore si nombreux, du réalisateur d'Open Range, que l'on croyait perdu à jamais suite à son sacrifice ridicule dans Man of Steel, à tous ceux qui espèrent encore sa renaissance sur grand écran.




C'est quand il se consacre à ce couple vieillissant, encore marqué par la disparition tragique de leur unique fiston, que Thomas Bezucha se montre le plus habile, bien aidé par des stars sur le retour qui ont peut-être à cœur de montrer qu'elles en ont encore sous le capot et comptent bien profiter des beaux rôles qui leurs sont ici offerts (à propos de capots, ça me fait penser que la reconstitution des années 60 pêche ici à cause de toutes ces bagnoles rutilantes qui ont toutes l'air de sortir de chez le collectionneur et du car wash). Le réalisateur a la main beaucoup plus lourde quand il s'épanche un peu trop sur les sentiments, une musique venant souvent souligner ce qui se passe à l'image, et aussi quand il nous dépeint le clan de salopards des griffes desquels Lane et Costner aimeraient extirper leur dernier descendant. C'est également une femme qui tient les rênes de ce clan, une Ma Dalton un brin caricaturale incarnée par Lesley Manville, celle que nous avions jadis confondue avec Jean-Michel Aulas (my bad !) dans Phantom Thread et qui déçoit un peu dans le rôle de cette matriarche douée pour donner des ordre mais si maladroite à la gâchette. Plus il avance, plus Let Him Go se met à flirter avec la série b. Cela donne une scène cocasse où Kevin Costner perd quelques morceaux... Et cela aboutit hélas à un dernier acte complètement raté, un climax beaucoup trop expédié, où la tension échoue à grimper et où l'on se dit que le réalisateur aurait peut-être dû laisser sa caméra à son acteur, que l'on sait capable de torcher de bien meilleures scènes d'action. Thomas Bezucha nous laisse donc sur une dernière note en demi-teinte qui ne gâche pas néanmoins le bon moment passé aux côtés de Kevin Costner et Diane Lane.


L'Un des nôtres (Let him go) de Thomas Bezucha avec Kevin Costner, Diane Lane et Lesley Manville (2020)

10 juin 2021

Periferic

En prison depuis déjà trois ans pour un crime dont on ne connaîtra jamais précisément la nature, Mathilda obtient sa première permission d'une journée afin d'assister à l'enterrement de sa mère. Rien de bien folichon... Dès sa sortie, on comprend que la jeune femme a en tête tout un plan pour quitter le pays et retrouver pleinement sa liberté. Nous la suivrons durant cette journée, exactement 24 heures découpées en trois grandes parties. Dans la première, Mathilda retrouve son grand frère et se rend avec lui, sa femme et leur enfant aux funérailles de leur mère. Ces retrouvailles sont assez tendues, pourries par les non-dits, des relations passées déjà conflictuelles et par toute la méfiance qui entoure désormais Mathilda. Lors de la seconde partie, Mathilda revoit le père de son fils, un proxénète infréquentable usant toujours de son ascendant sur elle. Dans le dernier acte, Mathilda récupère son fils, Toma, âgé de huit ans, et projette de fuir avec lui. Bien sûr, rien ne se passe tout à fait comme prévu...


 
 
Bien que le film soit très noir et que son scénario donne parfois l'impression d'accumuler les couches de souffrances en tout genre, on ne tombe jamais réellement dans le pathos insupportable ou le misérabilisme facile. On l'effleure à peine quelques fois, il faut bien l'avouer, lors de scènes un peu dérangeantes mais qui ne semblent jamais gratuites et racoleuses. Pour son premier long métrage, Bogdan George Apetri fait preuve d'un vrai sens du découpage qui lui permet justement de nous faire encaisser les plus cruelles situations qu'il met en scène. Le non-dit qui inonde son scénario se retrouve dans sa réalisation, souvent très habilement basée sur la suggestion. Compte aussi le regard, à bonne distance, et empreint d'une certaine douceur, que le cinéaste roumain porte sur son personnage principal, cette jeune femme impulsive au caractère bien trempé, incarnée par une actrice irréprochable, Ana Ularu. Un personnage qui peut légitimement rappeler certaines héroïnes du cinéma des frères Dardenne. C'est grâce à tout cela que Periferic se regarde aisément, sans qu'on ait l'impression d'être assommé, mis KO de vilaine manière par un homme remonté et bien décidé à nous coller un cafard monstrueux.


 
 
Comme beaucoup de films de la si riche nouvelle vague du cinéma roumain, Periferic impressionne lors de quelques scènes clés terriblement efficaces, des moments qui ont le don de nous scotcher littéralement à notre fauteuil et de nous assurer qu'on se souviendra longtemps de ce que l'on vient de voir. Ici, il s'agit par exemple d'une scène d'accident de voiture particulièrement saisissante, très sèchement mise en scène et que bien des réalisateurs spécialisés dans le cinéma d'action devraient regarder avec un calepin à portée de main. La dernière séquence, qui se déroule entièrement dans un train de nuit, voire dans le compartiment occupé par Mathilda et son fils, impressionne également par sa maîtrise. Là encore, le cinéaste pourrait sombrer dans un suspense déplacé, de mauvais goût, jouant cruellement avec nos nerfs et la destinée de ses personnages, mais il évite soigneusement cet écueil par son art du montage et son regard attentif sur Mathilda. Il nous livre ainsi un ultime quart d'heure très marquant. Si le pessimisme l'emporte finalement, Periferic ne se complaît donc pas dans une noirceur plombante, il paraît toujours y avoir un espoir, malgré tout, grâce à cette équilibre fragile trouvé par le réalisateur. Si le film de Bogdan George Apetri, qui a ensuite mis dix ans à en réaliser deux autres coup sur coup, n'est pas du niveau des meilleurs de ses confrères Cristian Mungiu (4 Mois 3 Semaines 2 Jours) ou Cristi Puiu (La Mort de Dante Lazarescu), il n'en demeure pas moins une modeste mais réelle réussite qui vaut définitivement le coup d’œil.


Periferic de Bogdan George Apetri avec Ana Ularu, Andi Vasluianu, Timotei Duma et Mimi Branescu (2010)

8 juin 2021

Saint Maud

83 minutes dans la tête de la fille spirituelle de Jeanne d’Arc et Travis Bickle, ça paraît long, je vous le dis. Pour son premier long métrage, Rose Glass tape dans l'horreur psychologique dure et ne nous ménage pas. Ça lui a plutôt réussi puisque son film a été couvert de prix, notamment à Gérardmer, où Saint Maud était en concurrence avec l'une des sélections les plus pauvres de la peu glorieuse histoire de ce festival. La réalisatrice britannique nous propose donc un aller simple dans l'esprit névrosé d'une jeune infirmière au passé trouble, aussi chtarbée que solitaire, et convaincue, en plein délire mystico-religieux, qu'elle est la seule à même de sauver l'âme déviante de sa nouvelle patiente en phase terminale. Avec ce portrait dépressif d'une femme malade, évoquant Polanski, Rose Glass fait le choix d'une subjectivité quasi totale, ce qui lui permet d'y aller franco dans le sordide, de déployer une ambiance glauque à souhait et de ménager quelques effets parfois un brin tape à l’œil, souvent maniérés, toujours sensés. Tous les délires sont possibles quand on voit à travers les yeux d'un personnage fou, détraqué : ici, poussent des ailes d'ange lumineuses, résonne la voix caverneuse de Dieu, sans parler des situations plus attendues, déjà vues et revues (lévitations, automutilations...). 
 
 
 
 
Un beau programme en perspective qui permet effectivement à Rose Glass de démontrer de réels talents de cinéaste : quelques idées de montage sont assez brillantes et tout est hyper chiadé, de la lumière aux décors en passant par tous ces petits détails sinistres qui font de Saint Maud un cadeau empoisonné superbement emballé. Bien sûr, l'actrice principale, irréprochable Morfydd Clark, est au diapason, le mal-être suinte de chacun de ses pores. On comprend sans souci la récolte abondante de récompenses : avec une telle allure, de tels arguments, Saint Maud est une bête de festoche en puissance. Reconnaissons également à Rose Glass qu'elle a le mérite de ne pas nous prendre en traître, de jouer cartes sur table, d'attester d'une cohérence implacable. Ainsi, l'ultime plan, impitoyable, qui agit comme un dernier uppercut visant le KO total et n'épargne même pas ceux qui, comme moi, n'étaient pas tout à fait dedans, a tout son sens. C'est une dernière image d'une cruauté et d'une violence rares, qui fait son petit effet et reste imprimée quelques temps sur nos pauvres rétines. J'aurais peut-être pu m'emballer également pour ce film si, auparavant, il ne m'avait pas autant plombé, échouant à me captiver vraiment, malgré tous ses efforts si voyants. Gageons que Rose Glass, dont on entendra forcément reparler bientôt, saura me convaincre la prochaine fois, elle est très douée, je n'en doute pas.
 
 
Saint Maud de Rose Glass avec Morfydd Clark (2020)

3 juin 2021

Nobody

Si vous n'êtes pas encore complètement dégoûté par ce que je nommerai ici "la formule John Wick" et dans le cas où vous suivriez de près la carrière de l'acteur Bob Odenkirk, notamment apprécié pour son incarnation de Saul Goodman dans les séries Breaking Bad et Better Call Saul, alors peut-être que Nobody pourra vous satisfaire. En ce qui me concerne, je crois que j'ai eu ma dose de John Wick, qui m'avait même sérieusement gonflé la dernière fois que j'ai croisé sa route, et je n'ai jamais maté un seul épisode de Breaking Bad (ne me jetez pas la pierre, je suis blogueur ciné à temps quasi plein). Pourquoi j'insiste sur John Wick ? Parce que Nobody, produit par David Leitch (co-réalisateur du premier John Wick) et surtout écrit par Derek Kolstad (créateur et scénariste de la saga), en est un duplicata à peine modifié. Le programme de Nobody est le même, très simple donc, vous pouvez laisser vos méninges au repos : un personnage au passé trouble est contraint de sortir de sa torpeur, ici familiale et professionnelle, et de reprendre les armes, de nouveau pour un prétexte débile. Dans le premier John Wick, Keanu Reeves s'engageait dans une croisade vengeresse suite au meurtre de son chien, la goutte d'eau faisant déborder le vase. Cette fois-ci, le brillant Derek Kolstad a voulu aller encore plus loin dans l'humour absurde (ou dans l'absurdité tout court tant l'humour est totalement inopérant) puisque le personnage campé par Bob Odenkirk voit rouge après le vol accidentel, lors d'une tentative de cambriolage avortée, du collier du chat de sa fille (un chat qui, je précise, n'existe pas encore mais qu'il lui a promis pour bientôt, en bon père de famille aimant qu'il est). 


 
 
Avec un détachement surjoué, l'air en permanence impassible, le port altier, Bob Odenkirk, ce nobody du titre (devenu en version québécoise un "moins que rien"), retrouve vite ses vieux réflexes et démonte un à un, ou tous en même temps, les premiers tocards venus. Il déclenche alors malgré lui une réaction en chaîne puisque ses talents de justicier zélé amènent à l'hosto le rejeton débile du grand baron de la drogue local, un russe pas commode qui va donc vouloir se venger à son tour... Bref, c'est passionnant ! A l'instar de son modèle Keanu Reeves, Bob Odenkirk encaisse les coups sans broncher, mais se relève encore et toujours, amoché mais invincible, freiné mais inarrêtable, usé mais infatigable. Je ne vous cache pas que le spectacle de ces scènes d'action pas spécialement bien troussées, alignées les unes derrière les autres entre deux ou trois moments plus calmes consacrés à nous révéler peu à peu le passé du héros, ne m'a que très peu emballé. Le cinéaste russe Ilia Naïchouller s'applique visiblement, mais ça n'a pas suffit à retenir mon attention. Il convoque également une imagerie de cinéma d'action usée jusqu'à la corde, bien moins intrigante que ne peut l'être, en faisant certes preuve d'indulgence, l'univers de John Wick. On se tape donc des gangsters venus de l'Est, des boîtes de nuit où ça sniffe à tout va, etc etc. Calquant jusque dans les moindres détails la recette à succès de John Wick, sont également présents au casting quelques vieilles tronches bien connues, histoire d'en appeler à la sympathie du spectateur, caressé dans le sens de la nostalgie. Ici, les guest stars s'appellent Christopher Lloyd et Michael Ironside, pour des rôles très secondaires. Notre plaisir de les retrouver n'égale pas la peine éprouvée à la vue de ce qu'est devenue la jadis si jolie Connie Nielsen, désormais toute boursoufflée au botox. Faut-il que nos exigences d'amateur d'action soient au plus bas pour se contenter d'un tel film... 
 
 
Nobody d'Ilia Naïchouller avec Bob Odenkirk, Connie Nielsen et Christopher Lloyd (2021)