Eternal Daughter

Je ne sais pas ce qu'a vraiment cherché à faire Joanna Hogg mais, en ce qui me concerne, cela ne m'a pas vraiment déplu. Certains spectateurs étaient pourtant remontés comme des pendules à la sortie de la projection de ce film, que j'ai personnellement découvert dans le cadre de la première édition du festival Girls Don't Cry et nous avait été présenté avec l'enthousiasme propre à ce type d'événement. Il faut bien avouer qu'en une heure et trente-six minutes, il ne se passe pas grand chose, si ce n'est quasiment rien, dans cet hôtel quasi vide, lugubre et baignant dans le brouillard où Tilda Swinton vient séjourner avec sa mère, que l'actrice britannique interprète également. Son projet est semble-t-il de passer un moment privilégié avec sa vieille maman fatiguée, de célébrer son anniversaire en toute intimité et, tandis qu'elle se repose, de se consacrer à l'écriture d'un scénario qui peine à se dessiner. Tilda Swinton incarne en effet une cinéaste en panne d'inspiration dans un rôle que les mauvaises langues pourront juger un peu trop autobiographique... Joanna Hogg aurait été mieux inspirée, aux yeux des plus mécontents, de faire de son long métrage atmosphérique et lent un court forcément moins ennuyeux. Mais en dépit de la minceur d'un script sans grand mystère, il y a quelque chose dans Eternal Daughter qui m'a plutôt séduit. C'est peut-être une espèce d'humilité revendiquée, une simplicité manifeste, un sens de l'épure appréciable qui m'ont amené à accepter le film pour la petite chose, jamais désagréable à regarder, toujours à la lisière de l'ennui, qu'il est.

 

 

La réalisatrice ne cherche certainement pas à nous en mettre plein la vue ni à nous duper, et encore moins à nous effrayer. On se demande d'ailleurs si elle mise réellement quelque chose sur la révélation que tout amateur de cinéma de genre aura grillée dès les premiers instants du film et que l'on ne peut même pas nommer un twist. Cette interrogation est fugace tant sa mise en scène ne vise jamais à nous tromper par de vils moyens et que tout est amené de la plus simple des façons. Un léger doute subsiste toutefois, mollement entretenu, aussi vaporeux que ce brouillard omniprésent, et c'est aussi lui qui alimente le vague intérêt du film, par ailleurs surtout maintenu par cette ambiance cotonneuse et hors du temps, délicatement automnale et gothique, qui nous enveloppe de la première à la dernière image. Enfin, la mise en abyme proposée à la toute fin, comme une seconde révélation que la cinéaste espère peut-être quant à elle plus importante et malicieuse, est elle aussi d'une logique et d'une cohérence indiscutables, quand bien même elle peut légitiment renforcer ce sentiment qu'un format court aurait été plus adapté pour éviter toute impression de "tout ça pour ça" chez les spectateurs à l'humeur moins indulgente qui accueilleront cette petite pirouette d'un œil plus sévère.

 

 

Si l'on pourra regretter que les deux ou trois scènes de visions fantomatiques ne soient pas plus mémorables que cela, Joanna Hogg refusant obstinément de susciter la peur, il y a tout de même quelques beaux moments, pas assez sans doute, mais il y en a, et quand je repense à Eternal Daughter, je revois ce long plan fixe de l'allée menant à l'hôtel : il s'ouvre dans le noir quasi complet, puis des formes étranges et grisâtres apparaissent, et nous comprenons que c'est le jour qui se lève lentement, qu'il s'agit de branches d'arbres tortueuses, de couleurs d'automne funèbres qui ne seront jamais plus éclatantes. Le paysage se révèle ainsi très progressivement, et ce plan sublime dévoile son secret initial, là encore, le plus simplement du monde. Notons aussi que l'on retrouve là-dedans un chien de première catégorie, un amour de clébard doublé d'un sacré acteur, capable de dormir du plus profond des sommeils sur un plateau de tournage pour les besoins d'une scène puis de jouer l'inquiétude de façon tout aussi convaincante. Ce cocker anglais à la belle robe noire et blanche est bien plus qu'une présence adorable dont la décontraction tranche avec l'état d'anxiété de sa propriétaire. Il est un des plus gros atouts du film et le générique ne manque pas de lui rendre hommage en nommant l'animal au même titre que les autres acteurs. De rapides recherches nous apprennent qu'il s'agit de nul autre que du propre chien de Tilda Swinton, que l'on ne peut donc que féliciter pour la qualité de son dressage. Un tel toutou mérite une maîtresse à la hauteur, et vice versa.

 

 

Avec ce petit et modeste film de maison vaguement hantée, Joanna Hogg ne cherche donc manifestement pas à nous foutre la trouille ni à nous surprendre. Elle veut nous faire partager le mal-être de cette femme, fille éternelle obnubilée par sa mère, femme désormais d'âge mûr à l'existence gâchée. Un personnage qu'elle prend le temps de filmer, dans cet hôtel isolé où l'on devine un passé douloureux. Un personnage solidement campé par une actrice que l'on ne présente plus et qui ne donne jamais dans la performance malgré un double-rôle qui pouvait l'y inviter. Enfin, la cinéaste anglaise souhaite, surtout, nous emmitoufler dans une brume fantastique, timide mais élégante, et cela, ma foi, n'est pas si désagréable...

The Eternal Daughter de Joanna Hogg avec Tilda Swinton et son chien Louis (2022)

En corps

2021 : Cédric Klapisch découvre la danse hip hop. 

2023 : son film à la noix est encore sur tous les écrans de province et de Navarre, après deux ans d'exploitation forcenée. 

 

A ce rythme-là et à la stupeur générale, Avatar 2 sera bientôt détrôné en tête du box office annuel. Et pourtant... Si le second opus des aventures des Na'vi sent très fort les égouts, En Corps, dans un genre bien différent, n'est guère beaucoup mieux. Klapisch, ça ne s'arrange pas. C'est toujours la même chose. Toujours la même chose. Jusqu'aux jeux de mots pourris qu'il nous assène dans chacun de ses titres. Il s'en va chercher de l'inspiration ailleurs, situe ses scénarios dans des contextes nouveaux et des contrées inédites pour lui : avant-hier les vignes de Bourgogne et la viticulture, hier les combats de MMA de l'UFC Que Choisir, aujourd'hui les salles de spectacles prestigieuses, la Bretagne et la danse contemporaine. Pour bien faire, la Klap s'entoure de collaborateurs experts dans leurs domaines. Jadis le vigneron et alcoolique de profession Jean-Marc Roulot. Entre temps le phénomène Jon Jones, le plus gros bagarreur de la catégorie poids-poutre, vaincu une seule fois, par ses propres soins, d'un auto-uppercut dévastateur, aller-retour dans le menton et les roubignoles, produisant un bruit de noix cassée et un KO technique immédiat sur le tatami. Aujourd'hui le chorégraphe et grand danseur Hofesh Sphinchter, artisan charcutier la semaine, patineur artistique le samedi et proctologue du dimanche. Le danseur prodigieux a malheureusement été contrôlé positif à la dope pendant vingt ans. Résultat, toutes ses médailles en chocolat obtenues aux JO de Sydney, de Canberra et de Wollongong ont été annulées semaine dernière par le comité olympique suite à un simple check de sa gaule line technology. (Nota bene : parmi ces trois projets de la Klap, les trois derniers en date, deux seulement ont vu le jour, celui sur le pif et celui sur le hip-hop, l'autre, sur le patron de l'octogone sans règles, le seul qu'on voulait bien voir à la rigueur, a fini aux oubliettes après que Jon Jones a maté un seul des films de Klapisch, la petite histoire ne dit pas lequel, mais ça revient au même et on le comprend...).

Jon Jones, frôlant ici l'upskirt gê(n)ant, en train de poursuivre ses rêves et de "profiiiiiiiiter" de la vie selon la méthode Klapisch et les règles de l'UFC Que Choisir.

Cédric Kalipisch (jeu de mot inspiré par le fait que notre cinéaste français préféré possède un cul de compétition très rebondi : trouvez une photo en pied et osez nous contredire) nous ressert donc la même tambouille, tout en essayant manifestement de coller à son époque, de rester dans l'air du temps, ignorant qu'il est plus ringard que jamais et pose sur la jeunesse et le monde actuel le même regard que notre tonton Scefo : à la ramasse de naissance, ce dernier flingue les repas de famille avec ses interventions toujours à côté de la plaque, en retard minimum d'environ 200 ans. Comme tonton Scefo, que l'on salue au passage, Klapisch n'est pas un mauvais bougre et il s'y connaît en piquette. C'est simplement dommage qu'il soit cinéaste et qu'on aille voir ses films. Tonton Scefo se contente de pêcher derrière sa maison de Salin-de-Giraud, juste après le bac de Barcarin, dans le ruisseau-décharge à l'eau saumâtre contrôlée radioactive qui abreuve les "légumes" label bio de son "jardin" (je mets légumes entre guillemets car c'est plutôt de l'alcool à brûler sous acide - quant aux guillemets cernant le mot "jardin", ils viennent du fait qu'on ne peut pas en faire l'économie pour qualifier ainsi ce que d'autres appelleraient "zone d'exclusion nucléaire", soit l'AOP des territoires évacués suite à une catastrophe nucléaire, exemples : Tchernobyl, Fukushima, Salin-de-Giraud. Pas de guillemets à bio en revanche, c'en est bien). Tonton Scefo a bien chopé une alose ou deux en 95 ans de vie et de pêche quotidienne, ces poissons immondes et bourrés d'arêtes, planqués entre deux pneus de monster truck (leurs écailles luisaient d'huile de vidange et elles étaient affublées d'un gilet jaune avant-gardiste pour l'époque) mais il ne nous a jamais fait chier avec des films, lui qui se dit même allergique à l'art "comptant pour rien", et dont un seul œil peut dans tous les cas suivre des images animées, l'autre restant désespérément fixé dans le vide de ses souvenirs des camps, où il était kapo et très ami des officiers en place. Scefo se vante encore parfois, dans de brefs moments d'égarement, en général après son dixième digestif à base de verveine perso (d'un beau vert fluo) et son deuxième ou troisième spliff de la soirée, d'avoir été le "chouchou" de l'obergruppenführer du camp où il a passé trois ans et dont il est ressorti plus gras qu'en y entrant. Et à moi de préférer m'arrêter là dans cette petite slice of life de tonton Scefo.

Berceau de notre enfance, classé AOP "zone d'exclusion nucléaire".

Ce n'est que par intermittence que le film (pour en revenir à lui, et ce n'est pas de gaieté de cœur) échappe à la médiocrité totale, et il le doit beaucoup à ses comédiens, exception faite de Muriel Robin (horrible). En corps (ça nous brûle les doigts d'écrire le titre) ne trouve son salut que grâce au talent de certains de ses acteurs : Denis Podalydès, qui a bien sûr gâché de sa présence tous les autres films de l'année scolaire 2022-2023 (de sept. à sept.), parvient presque ici, à la toute fin, à être un peu touchant dans le rôle de ce père déconnecté de ses filles, une sacrée prouesse devant la caméra morte-vivante de Klapish. Au centre du film, Marion Barbeau, la danseuse de métier, actrice occasionnelle : à la toute fin, elle impressionne sur scène lors d'un solo où son corps désarticulé reprend vie, et par ailleurs, elle est d'une crédibilité qui fait défaut à tout le reste. C'est encore côté comédie que Klapisch s'en tire le moins mal, quand il essaie juste de nous faire un peu marrer et non vibrer (lors de son ciné-club Konbini, Klapish ne faisait que répéter qu'il voulait "vibro-masser" ses spectateurs). Côté rire, donc, c'est François Civil qui tire son épingle du jeu. Et quand François Civil est le plus bel atout de ton film, c'est mauvais signe. Force est de reconnaître que les apparitions de l'acteur, désormais habitué du cinéaste, sont les petites bouffées d'air frais de ce nouveau Klapisch. Kiné peu crédible mais formidable andouille, on ne veut plus jamais le voir dans un autre rôle que celui-ci.

On ne peut pas recenser tous les propos dérangeants que tient Klapisch dans son vidéo-club Konbini. Exemple, première minute, il pointe le rayon "gonzo hardcore" et dit, avec le sourire que vous voyez sur cette image : "Tout ça (grand mouvement des bras de type englobant), c'est très bien".

Soucieux d'être toujours dans l'air du temps, Klapisch bouffe à tous les râteliers. On trouve ici une petite scène consacrée au regard misogyne posé sur les femmes, un dialogue abscons au sujet des vegans, bref, tout ce que Klapisch aura capté des journaux télé depuis deux piges : des tartines de lieux communs qui seront peut-être encore plus douloureuses aux oreilles des spécialistes de la danse quand elles concernent leur sujet de prédilection. Comme d'habitude, les clichés ne sont pas que dans le propos mais aussi à l'image : quelques plans carte postale de Paris et de la Bretagne assurent la vente du film à l'étranger. Toujours les mêmes fadaises sur l'importance de vivre sa vie, de profiiiiiiiiter à fond, de donner une vraie chance à sa passion malgré les obstacles et le manque de talent (Klapisch se parle à lui-même), et gnagnagna, c'est à nous rendre fou. 

Si vous aimez les petites recettes de Klapisch, allez-y.

Si vous aimez le cinéma...

En corps de Cédric Klapisch avec Marion Barbeau, François Civil et Denis Podalydès (2022)

Crazy Bear

Elizabeth Banks se construit une belle petite filmographie. Pitch Perfect 2, Charlie's Angels et maintenant ce Cocaine Bear (devenu Crazy Bear dans nos contrées où un plus fidèle Ours sous coke aurait été bien mieux). Depuis qu'elle est passée derrière la caméra, Banks complète avec cohérence sa carrière d'actrice et semble se spécialiser dans une veine très spécifique, celle de la merde qui se sait merdique et affiche cette conscience de se savoir merdique comme le summum du cool. C'est tout un concept ! Le film est supposé être cool car il a conscience de sa propre débilité et il serait idiot de le regarder sans le bon état esprit requis. Vous pouvez m'insulter, je n'ai pas su apprécier cette œuvre à sa juste valeur, c'est un fait. C'est donc au spectateur qu'il est demandé d'être inconscient et d'ignorer qu'il a en réalité affaire à un produit aseptisé et infect qui n'a strictement aucune âme ni le moindre intérêt. Pour résumer, Crazy Bear est une daube assumée, un fier étron, une "série b" au budget estimé à 40 millions de dollars, affichée en première page d'IMDb depuis des semaines et vendue par un grand studio. En bref, l'opportunisme et l'hypocrisie à leur summum. Pour le cool, on repassera !

 

 

Toute la promo de ce si triste film est basée sur son titre à la con et son pitch tout aussi teubê mais basé sur un fait divers survenu aux États-Unis en 1985 : un ours noir a trouvé de la cocaïne tombée d'avion dans la forêt nationale de Chattahoochee-Oconee et a passé l'arme à gauche après en avoir ingéré (je copie-colle Wikipédia, de la même manière que les premiers intertitres inutiles du film, qui prennent soin de préciser leur source en cherchant, là encore, à se donner l'air cool). Une anecdote de dingue, vraiment, dont on attendait avec impatience l'adaptation sur grand écran et dont le petit génie Jimmy Warden, scénariste de seconde zone, s'est saisi. Il a cependant revu et corrigé la réalité à sa sauce : ici, la coke ne finit pas par tuer la bête, mais la rend plus forte, agressive, la dote quasiment de super-pouvoirs. C'est censé être plus marrant ainsi, bien entendu. Sauf que de bête, il n'y en a pas. Jamais, pas un instant. Ne cherchez pas. Ces films-là sont morts à partir du moment où l'on a remplacé les effets spéciaux artisanaux et l'utilisation maîtrisée de véritables animaux par le tout numérique.

 

 

L'ours vedette n'a de "crazy" que son extrême laideur, son aspect lisse et même curieusement satiné : son poil lustré reflète la lumière d'étrange façon, on dirait que l'animal sort tout juste d'un carwash suivi d'une intense séance de brossage à sec. Les gros plans sur sa gueule, à laquelle des geeks sans idée ont parfois essayé de donner des expressions ridicules, sont les moments les plus gênants d'un film qui parvient à l'être du début à la fin. On sait bien que les gens derrière tout ça n'ont pas de cœur. Mais n'ont-ils pas au moins des yeux ? On se le demande devant cette comédie horrifique qui n'a rien de franchement comique tant tous les personnages "décalés" et leurs répliques sont à se pendre et dont les quelques passages gores sont glissés ici ou là très mécaniquement, comme pour répondre à cet odieux cahier des charges. Cela suffit tout de même à être qualifié de "déjà culte" par les guignols d’Écran Large, cibles toutes trouvées pour ce genre de fumisteries... Crazy Bear est désespérant de nullité et constitue une vraie insulte pour ceux qui aiment les vrais films de genre faits avec amour et parfois, certes, dans un esprit d'autodérision plaisant mais jamais dans cette hypocrisie crasse qui inonde notre sinistre époque. Ça se sait régressif, ça se veut subversif, c'est juste totalement vain et profondément hideux.

 

 

Crazy Bear d'Elizabeth Banks avec Keri Russell et Ray Liotta (2023)

Armageddon Time

Chouette film. Doux film. Humble et molletonné. James Gray nous envoie une carte postale de ses états d'âme. On le connaît, notre James Gray, on le connaît sur le bout des doigts. Nous le savons plus dur avec lui-même qu'il ne l'est avec nous. Sa masterclass à la Cinémathèque est un modèle d'auto-flagellation, elle s'était terminée dans les larmes du cinéaste et le silence de plomb d'une salle embarrassée. On n'avait jamais vu un mec manger sa propre merde avec tant de malice depuis les 120 journées de Sodome de Pasolini. Et sache, Jimmy Gray, aka l'éternel immigré, que si tu ne t'aimes pas beaucoup, nous t'aimons pour toi et nous t'aimons pour deux. Certes notre relation n'a pas été sans nuage. Les plus curieux d'entre vous pourront aller lire notre "critique" de La Nuit nous appartient : nous sommes des fidèles de chez fidèle mais nous n'avons pas toujours vu midi à 14h. Sauf qu'on n'aime que plus fort quand on a commencé une relation du mauvais pied. On a tant à se faire pardonner... et puis qu'est-ce qu'un cumulo-nimbus sur un océan d'amour ? 

 

 

 

 

Devant toi, toi qui ne cesses de t'accuser d'avoir tout raté, d'être un sous-homme, un "connard", de mériter "la chaise électrique" et "la fosse commune, sans stèle ni pierre tombale, afin que personne ne puisse venir prier pour le salut de [ton] âme damnée" (on cite de mémoire l'une de tes réponses aux questions pourtant banales et plutôt bienveillantes d'un Frédéric Bonnaud, si jovial d'ordinaire, contaminé ce jour-là par ta déprime de malade et à deux doigts de se faire les veines devant l'écran géant de la cinémecque...), nous ne pouvons que redoubler d'efforts pour te témoigner notre reconnaissance et notre éternelle amitié. France, terre d'accueil. Ici nous t'aimons, et tu es reconnu par la plupart de nos concitoyens les plus avertis à ta juste valeur. Alors quand celui qui ne cesse de se décrier nous chie une page de sa vie, il est sûr qu'elle va nous intéresser. On ne peut que soutenir ce geste artistique et aller au ciné pour voir ça, péritonite ou pas, quitte à ramper et à clamser au premier rang de l'Utopia de Tournefeuille (pour être honnête, quel meilleur clap de fin pour deux trépanés comme nous ?).

 

 

 

James Gray se tourne vers son passé, son enfance à Dakkar, et nous regardons son enfance avec lui. Nous rencontrons son grand-père magique, adorable Anthony Hopkins, enfin repus, gavé de rôles toute sa vie et qui trouve peut-être ici l'un des plus beaux. Il incarne un papy-gâteau au bord de la mort, plein de sagesse, d'écoute et de conseils pour son petit-fils rouquin fan d'astronomie, de rockabilly et des loloches de sa mère. La daronne est campée par une adorable Anne Hathaway, cernée jusqu'aux genoux, fatiguée d'exister, mais en lutte perpétuelle pour la réussite scolaire de son débile de fils. Elle n'est pas toujours aidée par un papa autoritaire, peu doué de tact mais au fond tellement aimant, juste dépassé par les événements, interprété par un adorable et terrifiant Jeremy Strong, un des plus riches personnages de papa que le cinéma de ces dix dernières années (à la louche) nous ait offert sur un plateau de tournage. Autant de spectres surgis du temps, dans des décors assez vides, comme s'il ne restait rien d'autre dans la mémoire du cinéaste que sa famille et les siens, sans oublier ce jeune garçon noir avec lequel naît une amitié évidente que le racisme ambiant et les barrières sociales mettront sous cloche. La tof du film, grisâtre, délavée, sépia au niveau des cheveux du gamin, pourra miner le moral des plus fragiles et les faire hurler au loup d'une mode assez pénible dans le genre, consistant à retirer les couleurs du monde dès qu'il s'agit d'évoquer autrefois. Ok Google... S'arrêter à cela, dans un film aussi fin et pétri d'humanité, serait criminel, d'autant plus que, comme nous vous l'avons longuement expliqué, James Gray n'a hélas pas besoin de détracteurs pour fumer et dézinguer tout ce qu'il fait.

Armageddon Time de James Gray avec Banks Repeta, Anne Hathaway, Jeremy Strong et Anthony Hopkins (2022)

The Whale

On pouvait espérer un retour en forme de Darren Aronofsky, qui enchaîne les daubes indigestes depuis un bon bout de temps à présent, plus qu'un retour au premier plan de Brendan Fraser, qui n'a jamais vraiment quitté nos cœurs. Au bout du compte : Darren Aronofsky confirme qu'il est un cinéaste au rabais dont l'inexplicable âge d'or aura duré à peine deux ans (The Wrestler puis Black Swan) et Brendan Fraser, irréprochable dans la peau de l'homme un peu enveloppé que les dures épreuves de la vie l'ont fait devenir, bénéficie enfin d'une reconnaissance de ses pairs grâce à ce rôle taillé sur mesures (XXXXL). Dans cette très plate adaptation d'une pièce de théâtre dont il est le seul à donner un peu de vie, l'acteur qui jadis criait à perdre haleine dans l'océan incarne un prof de fac homosexuel dont le deuil amoureux consiste à se faire exploser le bide jusqu'à la mort, littéralement. L'histoire est assez tordue et nous est racontée à grand renfort de longues scènes de dialogues ennuyeuses filmées sans génie. Darren Aronofsky a peut-être cherché à se faire le plus discret possible pour laisser s'exprimer ces trois personnages, mais le résultat à l'écran est d'une immense pauvreté. On cherche un peu d'air, de légèreté et de subtilité dans ce décor unique, l'appartement sordide de Brendan Fraser, où claque régulièrement la porte d'entrée comme pour coller au plus près possible au découpage initial de la pièce de théâtre.

 

 

Si le fadalin Darren Aronofsky adapte cette fois-ci une pièce signée Samuel D. Hunter dont il détenait les droits depuis plus d'une décennie, ce n'est pas pour rien : il y retrouve ses deux trois thèmes de prédilection. Il est donc naturellement question de rédemption et de grosse morale judéo-chrétienne à travers la réconciliation d'un père avec sa fille, mais aussi du corps martyrisé d'un acteur, en pleine performance et lui-même en quête de réhabilitation. Les points communs avec The Wrestler sont finalement assez nombreux, mais les deux films ont hélas quelques divisions d'écart. Si l'on se souvient encore du catcheur autodestructeur et à la dérive qu'incarnait Mickey Rourke, peu de chance que le prof de fac obèse joué par le tout mimi Fraser marque autant les esprits... C'est lors des ultimes plans du film, d'une grande lourdeur symbolique, que Darren Aronofsky ose la grandiloquence, quitte à flirter avec le ridicule. Avant cela, on aura simplement pu ressentir une vague sidération face au spectacle d'un corps humain totalement disproportionné, se traînant péniblement dans son bocal lugubre. C'est bien maigre (lol). Sous le maquillage glauque et les prothèses sans doute volontairement outrancières qui recouvrent l'acteur, brille les yeux et l'expressivité d'un bonhomme sympathique dont on peut au moins se réjouir de la reconnaissance tardive. Darren Aronofsky a au moins le petit mérite d'avoir tendu la main à Brendan Fraser. Dès le générique de fin, on se demande tout de même comment un tel film a pu être présenté en avant-première à la Mostra de Venise, où il figurait en sélection officielle, et y faire un peu parler de lui... 

The Whale de Darren Aronofsky avec Brendan Fraser, Sadie Sink, Hong Chau, Samantha Morton et Ty Simpkins (2023)

Les Cinq Diables

Léa Mysius, 33 ans, toutes ses dents : deux films au compteur, deux films épinglés dans nos pages, c'est du 100%. Ava nous avait conquis par sa fraîcheur et sa vitalité, Les Cinq Diables nous ont cueillis par leur ambition et leur originalité. Alors certes, avec Mysius, c'est du échec ou mat. Ça passe ou ça casse. La jeune dame a 36 idées à la minute, toutes ne sont pas bonnes et il n'y pas toujours quelqu'un pour faire le tri. Mais on préfèrera toujours assister au spectacle d'une cinéaste qui ose que se taper le millième remake signé Hazanavicious d'un film dont il ignore qu'il s'agissait déjà d'un remake. Bref, Mysius, on est clients, on est dans ton camp, on porte le même maillot, on a la même passion, et ce deuxième long métrage nous conforte dans l'idée de te suivre où que tu ailles. La réalisatrice native de la cité bordelaise et cliente du salon de thé Chez Karl (dont on recommande les bols de chocolat chaud servis comme par maman à quatre heures quand on a un petit rhume ; pour la modique somme de 18€ la soucoupe vide et 34€ le bol complet, à condition de connaître le patron, Karl donc, et qu'il vous fasse un "prix d'ami") nous donne rendez-vous ici au carrefour des émotions et surtout des sensations. Car si le cinéma est une expérience sensitive, il est ici un chant de tous les sens, une symphonie des odeurs : Léa Mysius ajoute au cinéma une nouvelle dimension, quitte à rompre le quatrième mur. On regarde enfin un film avec son blair.

Adèle Exarchopoulos vit dans les Alpes auprès de sa fille Vicky Exarchopoulos (Sally Dramé). Celle-ci est dotée d'un odorat surdéveloppé et passe son temps à créer des collections de parfums qu'elle conserve dans des bocaux Bonne Maman. L'une de ces fragrances provoque chez elle des catalepsies qui la renvoient dans le lourd passé de sa propre Bonne Daronne. Secrets, mensonges, manipulations sont au rendez-vous dans un festival pyrotechnique que l'on ne pensait plus voir sur grand écran. Notons au passage que tous les techniciens qui ont participé à l'incendie final de la salle des fêtes ont été nommés aux César des meilleurs effets visuels et en sont repartis bredouilles. Même si le dispositif narratif fait de flashbacks successifs n'est pas le plus original ni le plus heureux en termes de dramaturgie et de suspense, Léa Mysius s'en sort haut la main en déroulant un scénario plutôt bien ficelé, intriguant du début à la fin, modeste m'bami (paix à ton âme), au service de personnages soignés et touchants, tous autant qu'ils sont (mention spéciale au papa-poule de Vicky, interprété par Moustapha Mbengue, qui nous a cuits à cœur lors d'une séquence finale tout simplement bouleversante), servis par des acteurs au diapason, et surtout une actrice qui donne de sa personne, quitte à plonger dans un lac gelé avec pour seule combinaison sa propre graisse de canard.

Petit hommage bien mérité à Adèle Exarchopoulos dont nous saluons les choix de carrière et l'exigence vis-à-vis des autres et d'elle-même. Contrairement à certaines, qui se reconnaîtront peut-être, et qui prétendent être amies avec elle, Adèle Exarchopoulos ne tourne pas 63 films par an dans l'espoir d'obtenir enfin un César avec un rôle fléché pour le décrocher sans forcer (au hasard, une rescapée des attentats de 2015 en train de siroter le sang encore chaud des victimes). Elle en tourne 4 l'an, parmi les plus audacieux, les plus casse-gueules, signés par de jeunes réalisateurs et réalisatrices qui ont des idées un peu nouvelles, s'efforcent de créer des choses que nous n'avons pas déjà vues mille fois, parlent de leur époque sans oublier de raconter des histoires. On pense aussi au très recommandable Rien à foutre. Spoiler : Adèle, lauréate du César du meilleur espoir féminin en 2014 (ça ne nous rajeunit pas) finira tout de même par avoir le César ultime, et elle enterrera toutes les machines à succès éphémères au sang froid qu'elle supplante déjà dans le cœur des spectateurs du monde entier ainsi que dans leur historique de navigation privée firefox.

Du panache, voilà ce dont Léa Mysius nous gratifie et ce dont le cinéma manque cruellement ces temps-ci. Les Cinq diables est un film qui ne rentre dans aucune case prédéfinie, dont nous n'avons toujours pas compris le titre, que l'on aurait même du mal à pitcher (cf. notre deuxième paragraphe, dont nous ne sommes nous-mêmes pas très fiers et que l'on ne préfère pas relire, d'où les coquilles probables...). Léa Mysius prend le risque de se viander la gueule. Son film n'est pas réductible à une bande-annonce, et n'a pas bénéficié de cet atout essentiel à son succès, d'où son échouage programmé et avéré (bravo au distributeur). Ou alors il aurait fallu inventer, innover, là aussi, et imaginer la première bande annonce olfactive de l'histoire du cinéma : entre deux pubs pour Chanel et le charcutier-toiletteur du coin. Vous avez senti ce vent des ténèbres à moitié cramé ? Vous avez peut-être accusé votre voisin de rangée de vous avoir fait sentir son démon intérieur. Eh non, c'était le teaser des Cinq Diables. Car il faut bien s'y mettre à cinq pour produire un tel fumet. 

 

 

 

Mais quel toupet, cette Mysius ! Elle a le nom d'une magicienne, et elle nous a encore ensorcelés. On relève ses deux trois maladresses, qu'on attribue à sa jeunesse et à la difficulté des missions qu'elle s'impose, comme par exemple filmer les odeurs. Filmer les odeurs est une gageure et Mysius, pour le dire gentiment, ne relève pas vraiment le défi. Elle se vautre en beauté devant ce pari impossible que même Welles aurait aussi décliné en écartant poliment de la main le scénario des Cinq Diables si on le lui avait proposé à l'époque. Un documentaire de 1948 nous montre le grand Winnie l'Orson assis face au scénariste Truman Capote Duralex, fixer son interlocuteur les yeux dans les yeux tout en poussant du bout de la patte, par petits coups successifs, un pavé dactylographié vers le bord de la table, comme le font les pires greffiers avec les verres d'eau sur la planche de la cuisine, jusqu'à la chute inévitable de cette infection de script puant et maudit. On soupçonne ledit tapuscrit d'être celui des Cinq diables, que tous les producteurs se refileraient depuis sous le manteau, osant à peine le renéguer, tâchant de s'en débarrasser le plus vite possible en le refourguant à d'autres victimes, et Léa Mysius d'être la première depuis papy Welles à le lire et à se dire : Banco !

Orson Welles lisant le script des Cinq diables.

Qui aurait réussi à filmer des odeurs ? Filmer des sons, c'est fait, la belle affaire : merci Hitchcock, merci De Palma, merci Adrian Lyne ! Mais qui s'est fadé les odeurs ? Eh bien Mysius a essayé. Elle n'a peut-être pas réussi, mais pas totalement raté, et surtout, on lui sait gré d'avoir mis les mains dans le cambouis, de s'être risquée à ça, avec l'insouciance de la jeunesse et le courage d'une femme qui se bat contre des montagnes, les Alpes, et qui fait tout simplement face à la difficulté, à l'impossible, pour plus de liberté en ce monde. Elle ose rêver à un cinéma affranchi de ses propres limites, qui nous ferait enfin décoller vers des sphères inconnues, des cimes que l'on aimerait pouvoir tutoyer. On retient donc le positif de ce film inclassable dont nous aurons peut-être su vous dégoûter. Sachez que ce n'était pas l'objectif. Déjà un immense merci si vous nous lisez encore. Les Cinq Diables sont plus faciles à suivre que nous et la filmographie entière de Léa Mysius plus courte à voir que notre papelard à lire. Bon courage à vous et encore bravo à elle, à Adèle et à toute la fine équipe.

Les Cinq Diables de Léa Mysius avec Adèle Exarchopoulos, Sally Dramé, Swala Emati, Daphné Patakia et Moustapha Mbengue (2022)